Warum Indiana Jones 4 zu Unrecht gehasst wird

Die Ankündigung eines fünften Indiana Jones hat bei den "Fans" offenbar die Wunden des letzten Films aufgerissen. Wieder scheinen sie nicht müde, sein angebliches Vergehen an der Originaltrilogie zu bedauern. Und wieder tun sie dem Film dadurch Unrecht. 

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Star Wars aus dem Giftschrank

George Lucas würde es gern vergessen machen, Fans betrachten es als Schandfleck im Kanon der Sternenkriegssaga. Doch das "Star Wars Holiday Special" verdient eine angemessene Veröffentlichung. Und endlich auch mehr Wertschätzung. 

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Kino: THE EXPENDABLES 3

Von Beginn an hatten die immer auch als energischer Fan-Service gedachten "Expendables"-Filme nicht nur mit den Egos ihrer Exponenten, sondern vor allem einigen Widersprüchen zu kämpfen. Niemand scheint das so sehr zu wissen wie Sylvester Stallone selbst, der die (Re-)Union dieser vormaligen Actionstars mit jedem neuen Teil ein bisschen anders, ein bisschen besser organisieren will.[...]

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Kino: COWBOYS & ALIENS

Seit der Western nicht mehr ist, bemühen sich gelegentliche Wiederbelebungsversuche und neue Spielarten um eine angemessene Erbschaft des ältesten aller Kinogenres. Nach langer Zeit verhalf "True Grit", der Gebrüder Coen unerwarteter Blockbuster, dem Western im vergangenen Jahr zu einem Überraschungserfolg, der ein neues Interesse am Mythos zu generieren schien. Welch findiger Einfall, genau jenes nun auch noch mit dem aktuellen Alien-Boom zu verkleben. "Cowboys & Aliens", ein Science-Fiction-Western.

Solcherlei Genre-Mashups haben Hochkonjunktur. Allein in diesem Jahr starteten in deutschen Kinos Westernvariationen jedweder Couleur, kombiniert mit den Befindlichkeiten des Melodrams ("Winter’s Bone"), dem ruppigen Wesen des Roadmovies ("Drive Angry") oder der kindgerechten Ästhetik einer Animationskomödie ("Rango"). Auch vage Fusionen der Science-Fiction mit dem Western hat es bereits gegeben, nie aber kreuzte man so konkret zwei ihrer absoluten Archetypen, den Cowboy und die außerirdische Lebensform, um daraus einen Blockbuster zu schnitzen.

Den Grundstein für diese durchaus reizvolle Prämisse legte Scott Mitchell Rosenbergs gleichnamiger Comic von 1997, der bisher nicht ins Deutsche übersetzt wurde. Eine ganze Riege prominenter dicker Produzentenfische – u.a. Steven Spielberg, Ron Howard und Brian Grazer – witterte in der Vorlage ein veritables Geschäft. Jon Favreau, bekannt als einer der umgänglichsten Auftragsfilmer Hollywoods, empfahl sich mit seinen soliden "Iron Man"-Adaptionen für die Regie. Und so macht man dann Sommerhits.

Daniel Craig spielt in "Cowboys & Aliens" einen namenlosen Fremden, der ohne jede Erinnerung in das kleine Wüstenkaff Absolution gelangt. Dort wandert er erst einmal zügig ins Gefängnis, nachdem man ihn für einen gesuchten Goldräuber hält. Nicht nur seine unbekannte Identität, sondern auch eine seltsame Metallmanschette am Unterarm machen die geheimnisvolle Ella (ätzend: Olivia Wilde) auf den rüden Cowboy aufmerksam. Ehe Colonel Dolarhyde (Harrison Ford) sich jedoch der Sache annehmen kann, wird das Städtchen plötzlich von Raumschiffen attackiert.

Das Western-typisch urige Set-Up und die rasch ins Spiel gebrachten Figuren des überdurchschnittlichen Ensembles (in weiteren Rollen sind beispielsweise Paul Dano, Sam Rockwell und Clancy Brown zu sehen) verheißen gleich zu Beginn einen nicht uninteressanten Film. Inklusive des ersten Alien-Angriffs, bei dem die ahnungslosen Bewohner von langen Raumschifftentakeln in die Luft gezogen werden, ist das ein solides und sogar aufregendes Vergnügen, das sein Versprechen vom Genre-Mix vollends einzuhalten scheint.

Nach einer knappen halben Stunde allerdings zeigt sich, dass man im Vorspann zu Recht über insgesamt fünf Drehbuchautoren stolperte. Vollends planlos stolpert der Film nach seiner hübschen Exposition von einem dramaturgischen Loch ins nächste, nicht wissend, was er nun eigentlich gescheites mit der Western-Sci-Fi-Prämisse anstellen soll. Das ausnahmslos auf belanglose Konfrontationen zwischen eben Cowboys und Aliens ausgerichtete Script schlendert von Standard A zu Standard B und wieder zurück, ehe sich im betulichen Finale alle noch mal eins auf den Hut geben dürfen.

Zwar arbeitet der Film teils gekonnt mit klassischen Western-Versatzstücken (Craig als Fremder ohne Namen), um diese gemäß seiner Genremischung zu variieren (die Erinnerungs- lücken des Fremden als Folge einer Entführung durch Außerirdische), dennoch bleibt die Kombination bloße Behauptung. Aus ihr entsteht nicht wirklich etwas Neues, und die doch eigentlich so frische Genrefusion läuft nur auf bewährte Konventionen hinaus, was sich vor allem in einfallslos konzipierten Kämpfen und einem altbackenen Creature-Design niederschlägt.

Fehlende Akzente gehen freudlos Hand in Hand mit überraschend unterinszenierten Actionszenen, in denen Harrison Fords verlebte Gesten wie ein unfreiwilliger Kommentar zum kraftlosen Dahinsiechen des Films erscheinen. "Cowboys & Aliens" würden Ecken und Kanten weitaus besser stehen als seine spröde Gradlinigkeit, die sich in unspektakulären Pistolenduellen erschöpft. Wenn eine so unbenutzte Idee innerhalb von nur zwei Stunden zum ausgedienten Bierdeckeleinfall verkommt, haben die Sommerhittüftler irgendetwas gewaltig falsch gemacht.


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Kino: INDIANA JONES AND THE THE KINGDOM OF THE CRYSTAL SKULL

Auf und davon waren sie, in weiter Ferne im Sonnenuntergang verschwunden. Nur eine Silhouette erinnerte noch an die Abenteuer des kühnen Helden mit dem trockenen Humor und der Gerissenheit, dem Mann des Wortes und der Taten, der seinen Nazi- oder Teufelskultgegnern noch aus jeder Schatzgrube, jedem Tempel und jeder Katakombe elegant zu entkommen wusste. Halbtags Archäologieprofessor, sonst ein Jäger verlorener Schätze, die erst den Weg in seine Hände finden, ehe sie doch wieder dem Mythos übergeben und damit ungreifbar werden. Es begann mit einem Schatten, einer großen Ankündigung, und es endete nach drei erfolgreichen Filmen mit ebendiesem, nur ohne weiteres Versprechen, ohne ausstehendes Abenteuer. Die Geschichte hatte ihr Ende. Und der Sohn seinen Vater gefunden. 

Nach 20 Jahren nun ist Harrison Ford zurück, noch einmal als Indiana Jones, noch einmal als der Mann mit der Peitsche. Vorangegangen ist die Zeit, die ein wenig graues Haar hier und ein paar mehr Altersfalten dort forderte, geblieben der Rest: Er ist noch immer so lakonisch und noch immer so gewitzt, steckt noch immer haufenweise Keile ein und löst auch immer noch die komplexesten Rätsel der Archäologie- und Menschheitsgeschichte im Nebenbei. "Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull" gibt seinem Publikum einen der erfolgreichsten und beliebtesten Kinohelden, eine der ikonischsten Figuren der 80er-Jahre zurück – in Würde gealtert und mit Stil in die Jahre gekommen. Es ist eine Rückkehr des Titelhelden, und es ist die erste konkrete Zusammenarbeit der Blockbuster-Giganten Steven Spielberg und George Lucas seit fast zwei Jahrzehnten. Ein Übermaß an Versprechen und Erwartung also: Und der Film hält dem Druck stand.

Spielberg kann es noch immer. Kein gegenwärtiger Mainstream-Regisseur inszeniert so geschlossen, so packend, so übersichtlich, keiner vereint ein komplexes visuelles Konzept so sehr mit einer schlüssigen Geschichte, einer soliden Dramaturgie und grandiosen Actionszenen, die geradezu perfekt den großen, schnellen, lauten Bombast in Einklang mit einem erzählerischen Ziel und ausgearbeiteten Figuren bringen. Der Mann timt noch immer fast punktgenau, und in seinen furiosesten Momenten kombiniert er Situationswitz, Spektakel und eine starke Erzählung zu einem harmonischen Ganzen. Trotz der sehr digitalen Inszenierung, der sichtlichen Bearbeitung jedes einzelnen Bildes: "Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull" ist der Film, den Spielberg schon lange einmal wieder machen wollte und musste, er ist eine sichere Spielwiese für das Handwerk seines Regisseurs, dem hier keine Ambition, kein höhergestelltes Vorhaben die Lust am technischen Abenteuer nehmen kann. Ja, Spielberg gelingt es im Großen und Ganzen tatsächlich, an die Neugierde, an die klare und unbeschwerte Inszenierungslust und den naiven Übermut seiner frühen Tage anzuknüpfen. Er hat es also noch einmal geschafft: In diesem vierten Film schwingt sie mit, die Peter-Pan-Magie seiner 80er-Jahre-Filme.

Dem neuen Indiana Jones gelingt es auch sonst ganz wunderbar an die bisherige Trilogie anzuknüpfen. Sein Tempo ist erstaunlich behäbig und der gesamte Stil eher gesetzt. Doch schon wenn der große Berg des klassischen Paramount-Logos zu einem kleinen Bodenhügel überleitet, also augenzwinkernd vom großen zum kleinen abstrahiert, ehe ein Auto voller junger Rebellen zu beschwingter Rockabilly-Musik darüber hinwegbraust, beweist der Film gleich zu Beginn, was er ist und was er nicht ist. Er ist das Wiederaufkochen eines fast übergroßen Kinomythos’, dem er kaum gerecht werden kann: Er verhält sich eben wie ein kleiner Hügel zum großen Berg, und gleichzeitig muss diese Analogie in Windeseile aus dem Weg geräumt werden. Diese erste Einstellung ist ein wunderbares Sinnbild für das Projekt und seinen Anspruch, und sie ist ferner der Einstand zu etwas, das insgesamt nicht mehr sein kann als ein postmodernes Zitat seiner selbst – und vielleicht auch gar nicht mehr sein will. Warum sonst die ständigen Bezüge zu den Vorgängern, die Bundeslade, die Schlangen und die Rückkehr von Karen Allen. Das alles macht großen Spaß, und das alles steht nie für sich, sondern bleibt ein Groß an Referenzen für kundige Fans.

Dennoch ist "Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull" mitunter auch ein souveränes Abenteuer mit einem eigenen Konzept, einer eigenen Geschichte und neuen Themen. Das 50er-Jahre-Setting erfordert eine andere Sichtweise, der mit Kostümen, Soundtrack und zeitgemäßen Bezügen entsprochen wird. Bereits die obligatorische, etwas gewöhnungsbedürftige Einleitung – die sich überraschen- derweise nicht unabhängig zum Rest des Films verhält, sondern sowohl den McGuffin-Schatz, als auch die Bösewichter einführt – spielt dementsprechend mit typischen politischen und gesellschaftlichen Bezügen, angefangen bei der Area 51 und Atomtests bis hin zum Kalten Krieg und den Kampf gegen die "rote Gefahr". Die russischen Feinde, angeführt von einer dominanten Schurkin (sehr amüsant: Cate Blanchett), bilden hier eine ähnlich comichafte Staffage wie die Nazis in den Vorgängern, der Gestus der Serie bleibt also weiterhin betont campy und einfältig, was nicht nur zu erwarten war, sondern auch die von Fans ersehnte Retro- und 80er-Jahre-Mentalität garantiert. Der Schatz, der die Handlung vordergründig zusammenhält und vorantreibt, entstammt dieses Mal jedoch keiner religiösen Quelle, sondern passt sich ebenfalls dem zeitlichen Kontext an. Der ist nun einmal geprägt von der Angst vorm Kommunismus, die im Kino einen Ausdruck in zahlreichen Science-Fiction-Filmen fand. Und fliegende Untertassen gehören bei Spielberg ja fast schon zum guten Ton.

Die größte Überraschung ist vielleicht wirklich Jungstar Shia LaBeouf, an dem der Regisseur bekanntlich einen Narren gefressen hat, nachdem er ihn schon in die DreamWorks- Produktionen "Disturbia" und "Transformers" lotste. Den eher anstrengenden Zappelphilipp als Sidekick von Harrison Ford zu besetzen hätte tatsächlich die größte Fehlentscheidung Spielbergs und Lucas’ sein können, nachdem man schon an der Zug- und Erfolgskraft des einstigen Kinohelden-Kollegen John McClane in "Die Hard 4.0" so seine Zweifel zu haben schien und Bruce Willis ein beim jüngeren Publikum anbiederndes Gegenüber verpasste. LaBeouf aber nimmt sich fast vollständig zurück, so als hätte es nur eines Regisseurs bedurft, der den jungen Mann in den Griff zu nehmen weiß (trotz einer sehr albernen Einführung der Figur, die "The Wild One" zitiert und wohl den nächsten Marlon Brando anzukündigen gedenkt). Jones bleibt der Star des Films, er wird nicht zum Rentner degradiert, sondern weist sein junges aufbrausendes Anhängsel mehr als einmal in die Schranken, ebenso wie er auch für den Großteil der Action und den nötigen Humor verantwortlich bleibt.

Und auch wenn man im Detail sicher Kritik üben muss, sich am übernatürlichen Element reiben mag, das Finale möglicherweise eine Spur zu behäbig geraten ist, und der ein oder andere Drehbuchhänger samt plattem Dialogwitz ganz bestimmt hätte vermieden werden können, ist das enorme Unterhaltungspotential dieses vierten Indy-Films nicht wegzureden. Es ist eine glamourös unglamouröse Rückkehr, der man all die Freude und Lust an sich selbst gönnt, der der Enthusiasmus ihres alten eingespielten Teams deutlich anzumerken ist, und der man den Erfolg gönnen darf. Indiana Jones hat und macht noch immer Spaß. Und das war und ist nicht allzu selbstverständlich.

Retro: INDIANA JONES AND THE THE LAST CRUSADE (1989)

Was ich dem übel beleumundeten zweiten Teil der "Indiana Jones"-Serie angerechnet hatte, nämlich seine relative Eigenständigkeit und die Nichtwiederholung der Erfolgsformel, das gilt für "Indiana Jones and the Last Crusade" nicht mehr. Er klammert sich peinlichst an den Originalfilm und lässt den Vorgänger wie einen Ausreißer erscheinen. Steven Spielberg und George Lucas bedienen sich stark der Muster von "Raiders of the Lost Ark", allenfalls leichte Modifikationen am Konzept sind erkennbar. Grundsätzlich bietet Teil drei der Abenteuersaga nur Altbekanntes: Die Suche nach einem heiligen Relikt, betont abwechslungsreiche Schauplätze, comicartige Nazischergen. Der Film probiert im Gegensatz zu "Indiana Jones and the Temple of Doom" nichts Neues, bewegt sich durchweg auf sicherem Terrain. Das bekommt ihm nicht gut, er weist unbeholfen wirkende Leerstellen und regelrecht langatmige Momente auf, das wunderbare Tempo des Vorgängers fehlt ihm sogar gänzlich. 

Die obligatorische Einführung des Suchobjekts verkommt zum reinen Redeschwall. Dem Helden Indiana Jones wird die Suche nach dem Heiligen Gral bzw. nach seinem Vater aufgetragen, vom listigen Walter Donovan, einer Nazimarionette, wie schon Belloq im ersten Teil eine war. Minutenlange Dialoge erklären das Drumherum, die Vorgeschichte, den Auftrag, das Ziel – Spielberg arbeitet hier visuell erschreckend einfallslos, ergeht sich in statischen Einstellungen, die er bei den Vorgängern noch gründlich vermieden und durch geschickte Ausschmückungen wesentlich geschickter vermittelt hatte. Immer wieder gibt es im Film seltsam einfältig inszenierte Momente, die auf denkbar einfachste Weise umgesetzt wurden. Verbunden mit der allzu ähnlichen Dramaturgie des Originals machen diese Regiemängel aus "Indiana Jones and the Last Crusade" ein doch sehr zwiespältiges Vergnügen. 

Lediglich ein neues Element bringt der Film in die Serie. Den Vater des Helden, seinerseits Archäologe, jedoch ungleich weniger abenteuerlustig und eher ein Bücherwurm, ist mit Sean Connery besetzt – zweifellos ein Castingcoup: Der Bond-Darsteller als Vaterfigur eines Bond-Imitats, das ist in der Tat komisch. Entsprechend gestalten sich sind die gemeinsamen Momente zwischen Ford und Connery, sie zählen mit Abstand zu den amüsantesten Teilen des Films, und Spielberg muss da nur noch draufhalten. Leider will die Kombination mehr als nur amüsieren, wie schon die inszenatorisch lediglich solide Exposition – Indy in a nutshell – mit ihrem Initiationsritusgehabe zeigt. Spielberg arbeitet sich einmal mehr am Vater-Sohn-Komplex ab, und dieser ist so leer wie jener Moment, in dem das Gespann während eines Zeppelinflugs endlich Zeit für ein ruhiges Gespräch findet, aber sich eigentlich nichts zu sagen hat.

Interessant allein, dass dieser dritte Teil in gewisser Hinsicht den ödipalen Kreis schließt. War "Raiders of the Lost Ark" diesbezüglich ein eher untypischer Spielberg-Film, als er nicht von einem Grauen berichtete, das über den familiären Raum hereinbrach, und von einer männlichen (oft auch patriarchalischen) Figur gegen alles Heimische verteidigt werden musste, sondern im Gegenteil sogar einen Helden etablierte, der sich allen konventionellen Vorstellungen von Familie zu widersetzen schien, so verlagerte Spielberg diese eigentliche Motivkonstante von Teil zu Teil stärker. Wo der erste Film die Freundschaft zwischen Indy, Marion und dem gutmütigen Sallah als Gemeinschaft ins Blickfeld rückte, bildete schon die Fortsetzung deutlichere Muster heraus: Indy avancierte zu einer Art Vaterfigur für den kleinen Short Round, dem mit der Sängerin Willie auch noch ein mütterlicher Bezugspunkt geboten wird. Im Mittelpunkt von "The Temple of Doom" stand somit eine Ersatzfamilie, die sich gegen dämonische Kräfte zur Wehr setzen musste. Und Teil drei feiert gewissermaßen die Rückkehr zur biologischen Familie, die sich bewähren muss. 

Des Sohnes Jagd nach dem Heiligen Gral entpuppt sich folglich als McGuffin, der die eigentliche Suche, die nach einem Verhältnis zum Vater also, antreiben soll. Alle Bewährungsproben schnüren das familiäre Band fester zusammen, selbst für einen Spielberg-Film ist das erstaunlich funktional. Unnötig erscheinen darüber umso mehr jene Szenen, in denen der Film ausgewälzt seinen Gegenstand erklärt, obwohl dieser doch gar nichts zur Sache tut. Darin unterscheidet sich der dritte Teil vielleicht doch von seinen Vorläufern, die sich als naive Schatzsucherfilme verstanden und ihre Geschichte durchaus im Sinne einer Spannungsdramaturgie steuerten: Werden sie die Bundeslade finden, an sich reißen und vor den Nazis versteckt halten, werden sie die heiligen Steine wiederbeschaffen und das indische Dorf vom Schrecken des Kali-Kults befreien können – diesen Fragen steht nun ein größeres Anliegen gegenüber. Vater und Sohn soll es gelingen, ihre Beziehung ins Lot zu bringen. Und Indiana Jones ist nicht länger Held eines eskapistischen Eventfilms, er muss auch kräftig menscheln. 

Die Actionszenen können aufgrund der unbeholfenen Tricks, die augenscheinlich noch in den CG-Kinderschühchen steckten, ebenfalls nicht an die Vorgänger anknüpfen. Und einen so daneben gegangenen, wirklich sagenhaft peinlichen Einfall wie die Szene, in der Indy auf Hitler trifft, hat es in der gesamten Reihe kein zweites Mal gegeben. Das Finale kann leider auch nichts. Der Schatz will nur gefunden werden, um den verletzten Jones sr. Durch heilende Kräften zu retten! Ungeachtet des extrem albernen Tons dieses christlich-mythologischen Unterbaus enttäuscht "Indiana Jones and the Last Crusade" mit seiner fehlenden Konzentration auf das eigentliche Abenteuer, das noch die beiden Vorgänger so wunderbar bedienten. Spielberg und Lucas hatten wohl schlicht etwas mehr vor, etwas vermeintlich Höhergestelltes – vielleicht als Reaktion auf die Kritik am zweiten Film, vielleicht aber auch deshalb, weil Spielberg Ende der 80er-Jahre einfach schon viel zu sehr Spielberg war, als dass er ganz auf die naiv unbeschwerte Kraft seines Peter-Pan-Impulses hätte vertrauen können.

Retro: THE TEMPLE OF DOOM (1984)

Es spricht für Steven Spielberg und George Lucas, dass sie das Erfolgsrezept von "Raiders of the Lost Ark" nicht wiederholt haben, auch wenn dieses Sequel nach dem enormen Einspiel des Vorgängers ein Selbstläufer gewesen sein mag. Tatsächlich verpflanzten sie die Figur in einen zeitlich und räumlich veränderten Kontext: "Indiana Jones and the Temple of Doom" erweist sich nicht als Fortsetzung, die ihren Vorläufer weitererzählt, sondern zwei Jahre zurückspringt. Ein Prequel in der Tat, aber keines etwa wie "The Godfather: Part II", das als Mittelstück einer großen Trilogie so etwas wie einen epischen Bogen spannt. Der Film ergänzt den ersten Teil nicht, er hat fast etwas von einem Exkurs – für mich ist es mit Abstand der schönste Indiana Jones. 

Nach einer umwerfenden Busby-Berkeley-Musicalnummer zu Cole Porters – in diesem Fall programmatischen – "Anything goes" beginnt dieser zweite bzw. erste Teil mit einer Folge mit einer Verkettung von Actionszenen, die Massenpanik, Schießereien, Verfolgungsjagden, einen Flugzeugabsturz sowie eine turbulente Schnee- und Flussfahrt auf einem Schlauchboot umfassen, und die in einer derart halsbrecherischen Rasanz montiert sind, dass jeder zweistündige Actionfilm mit ihnen schon ausgelastet wäre. Die erste halbe Stunde des Films löst jedes Versprechen nach abenteuerlicher Unterhaltung ein, das der Vorgänger machte. Spielberg inszeniert selbst die logistisch schwierigsten Elemente so stimmig, dass ihm eine rein visuelle Erzählung gelingt, von der sein Film bis zuletzt zehrt – ein Musterbeispiel für filmische Exposition, die buchstäblich aufs Parkett geschmettert wird. 

Genauso buchstäblich folgt der Abstieg: Ein Großteil des Films spielt im titelgebenden Tempel des Todes, wo Menschenopfer gebracht und Kinder versklavt werden. Ähnlich wie sich "The Empire Strikes Back" zu "Star Wars" als düsteres Zwischenkapitel verhält, stimmt "Indiana Jones and the Temple of Doom" einen horrorartigen Ton an, der sich deutlich vom komödiantischen Stil des Vorgängers und besonders auch des Nachfolgers unterscheidet. Das gigantische Tempelset im knallrot ausgeleuchteten Studiodesign bildet mit John Williams' Trommel- und Chorklangteppichen einen schaurig-schönen Spielplatz. Sogar der gelegentlich alberne Humor kann dem brutalen und in einem Jugendfilm doch sehr ungewöhnlichen Tonfall kaum etwas anhaben. Gegen die Bilder von entrissenen Herzen, schreienden Kindern und teuflischen Verschwörungen setzen sie sich nicht durch. 

"Indiana Jones and the Temple of Doom" ist von einer anmutigen, fast märchenhaften Schönheit. Vermutlich fällt es deshalb noch leichter, die Spielbergschen Idiosynkrasien zu umarmen. Indische Bauern als infantiles Klagevolk und Indiana Jones als edler White Savior sind nur zwei augenfällige Stereotype, mit denen der Film sich in die koloniale Hegemonie des Abenteuerklassikers "Gunga Din" zurückträumt. Auch deshalb gilt dieser zweite Indy-Film als schwächster Teil der Serie, Lucas und Spielberg scheint er nachgerade peinlich zu sein. Ich finde allerdings, dass man die Schwächen eines Films sowohl benennen als auch umarmen kann. Ohne Widersprüche wird es schnell langweilig im Kino. Und für Spielberg gilt das ganz besonders.

Im letzten Drittel erhöht sich die ohnehin enorme Geschwindigkeit dann ein weiteres Mal, die Lorenjagd vor allem gehört zu den spektakulärsten und aufwändigsten Szenen des Genres überhaupt. Es wirkt beinahe so, als würde sich Spielberg von jener Last befreien, die Lucas ihm mit den Tempelszenen auferlegt hat. Wenn der Film die Figuren auf eine waghalsige Tunnelverfolgung durchs Innere des Berges befördert, rennt er gewissermaßen auch seinen Schwächen davon (die hysterische, auf alles und jeden mit wildem Geschrei reagierende Kate Capshaw ist ein anderes Stereotyp, das dem Film bis heute negativ anheftet). Im Schlussdrittel fühlt sich "Indiana Jones and the Temple of Doom" wie eine Attraktion zum eigenen Film an: Ausgestellt doppelbödiges und doch in sich selbst verschlungenes Spektakelkino, das imposanter nicht sein könnte. Ein Meisterwerk, fürchte ich.

Retro: RAIDERS OF THE LOST ARK (1981)

Vielleicht bildet "Raiders of the Lost Ark" eine spannende Ausnahme in Steven Spielbergs Œuvre, weil der Film genauere Einblicke in die stilistischen Signaturen seines Machers bzw. seiner Macher gibt. Er ist ein Gemeinschaftsprojekt der einstmals erfolgreichsten Regisseure Hollywoods, George Lucas und eben Steven Spielberg, der eine in der Position des Ideengebers und Produzenten, der andere auf dem Regieposten. Die Zusammenarbeit der mächtigen Filmgiganten versprach eine neuen Maßstab im Unterhaltungskino, heraus kam hingegen etwas Kleineres, manchmal gar Intimes und angenehm Hingeschludertes – wie gesagt, auch ein Film, der es ermöglicht, dem Wunderkind der Traumfabrik in die Karten schauen zu können. 

"Raiders of the Lost Ark" ist kein hundertprozentiger Spielberg-Film, obwohl er hundertprozentig wie einer funktioniert. Spielberg hat mit seinen vorherigen Arbeiten großes Geschichtenerzählen bewiesen. Es gelang ihm nahezu lückenlos, das Publikum für verschiedenste Stoffe zu begeistern, die ihrerseits nahezu lückenlos waren: Geschichten über Ereignisse, die jede Ordnung aus dem Gleichgewicht bringen, um schließlich wieder zusammengefügt zu werden. Er harmonisiert, zerstört und harmonisiert erneut, Zuschauerbindung und Zuschauererlösung als zweistündige Berg- und Talfahrt. Spielberg schickt den Zuschauer nicht allein ins Abenteuer, er nimmt ihn an die Hand. Sein verlockender Eskapismus aber ist keine Einladung, eher eine sehr einseitige Vereinbarung, und sie findet meist innerhalb der ersten Filmminuten statt. Wer in einem Spielberg-Film auf seine Kosten kommen möchte, der muss seinem Schöpfer bedingungslos folgen, muss sich ihm gewissermaßen auch: ergeben.

In "Raiders of the Lost Ark" bleibt nicht einmal Zeit, sich auf den Film einzulassen: Sofort bindet Spielberg den Zuschauer ans Geschehen. Das Berg-Logo des Verleihs Paramount geht unmittelbar in die Szenerie über. Und wenn man nicht bereit ist, das so abenteuerliche wie unwahrscheinliche Geschehen zu akzeptieren, wird man die nächsten zwei Stunden vermutlich außen vor bleiben. Angelehnt an die Pre-Title-Sequenzen der James-Bond-Filme sowie den Serials und Cliffhangern, die Spielberg und Lucas offenkundig beeindruckt haben, eröffnet der Film mit einer rasanten Schatzsuche, die das Tempo der Handlung angibt, den Helden und seinen Antagonisten einführt und mit Fallen- und Hindernismanövern angemessen freudvoll beginnt. Das Opening ist Verlockung und Bedingung zugleich. 

Die ersten Szenen des Films kokettieren mit ihrer Brillanz. Mythisch von Sonnenstrahlen durchflutete Dschungelbilder, exotische Spielwiesen mit starken Schattierungen und gleißendem, direkt in die Kameralinse einstrahlenden Lichtkegeln, als stelle Spielberg seine Verblendungstaktiken genüsslich aus. Die Partitur von John Williams bewegt sich unaufhörlich von Höhepunkt zu Höhepunkt, eine schunkelnde Marschmusik hier, ein geheimnisvolles Schatzsuchenthema dort – und die Bundeslade, jenes archäologische Fantasiegebilde, in dem die Steintafeln der Zehn Gebote lagern sollen, bekommt eine buchstäblich überhöhte Note spendiert. Michael Kahn hält das Geschehen vorbildlich zusammen, alle Action wird über den Schnitt choreographiert. Explosionen gibt es auch, bezeichnenderweise sind sie in den Bildhintergrund verlagert. 

Immer wieder kehrt im Film ein zentrales Motiv zurück: Indiana Jones erscheint auf der Bildfläche nur als Silhouette, meist übermächtig (am stärksten in der Einstellung, die seine Gefährtin Marion in ihrer Absteige von Kaminfeuerlicht umhüllt zeigt, ehe sich der große Schatten ihres Verflossenen Indiana Jones über sie legt). Das macht Stimmung, die Figur wird als ikonischer Helden ins Bild geschrieben, bevor er sich überhaupt als solcher erweisen kann – so überlebensgroß, dass sein eigenes Abbild ihm vorauszueilen scheint. Mit Indiana Jones als Archäologieprofessor, der neben seiner Lehrtätigkeit auch gern mit lässigem Schlapphut und Peitsche auf Reliktsuche geht, versuchen sich Spielberg/Lucas an einem eigenen Archetyp. Zwar rekurriert die Kombination aus Intelligenz (Jones als Akademiker), Attraktivität (Jones als Playboy) und Hartnäckigkeit (niemand kann dem Helden tatsächlich etwas anhaben) auf James Bond. Im amerikanischen Männerhelden- und Körperkino der 1980er Jahre aber hinterließ Indiana Jones doch sehr eigene Spuren. 

 Ziemlich drüber sind auch die Bösewichte, in diesem Fall die Nazis, die für Adolf Hitler nach der Bundeslade suchen. Das Machtstreben der deutschen Barbaren wird hier zu einer okkulten Pulpgeschichte umfunktioniert, erstaunlicherweise übernimmt sich der Film mit diesen Karikaturen nicht, sie sind genauso ein Teil des Unwahrscheinlichen, am Ende rächen sich jüdische Seelen an den Errichtern der Konzentrationslager. Wie überhaupt alle Spielberg-Arbeiten ist "Raiders of the Lost Ark" scheinbar unbefangen. Der eingängigste Gag des Films zeigt die Konfrontation des Revolverhelden mit einem Säbel schwingenden Araber, den er – fast gelangweilt von dessen Glauben, eine ernsthafte Gefahr für ihn zu sein – unbeeindruckt erschießt. In der Fortsetzung übersteigern Spielberg und Lucas solche gedankenlosen Stereotype noch, wenn Indy als siegreiche Reinkarnation britischer Kolonialfantasien auftritt. 

Es ist natürlich ein großes Erlebnis, diesem ersten Abenteuer von Indiana Jones zuzuschauen, und dass der Film mehr Spaß macht, als er dürfte, gehört zu den spannenden Widersprüchen in der Beschäftigung mit Spielberg.

Retro: STAR WARS (1977)

Mit "Star Wars", später um den Zusatz "Episode IV: A New Hope" erweitert, kehrte Regisseur George Lucas nach dem Überraschungserfolg "American Graffiti" zurück zum Science- Fiction-Genre, nachdem er seinen New Hollywood-Einstand zuvor bereits mit der originellen, effektiven Dystopie "THX-1138" lieferte. Mit seinem kruden Sci-Fi-Abenteuer um Luke Skywalker und Co. webt er ein durch und durch skurriles Geflecht verschiedenster Genrezutaten, mythologischer Symbole und Motive, sowie zahlreicher Zitate, Verweise und Anspielungen auf Literatur- und Filmgeschichte. Die konfus zusammengestellten Elemente präsentieren sich allerdings so derart selbstverständlich und einer inneren Logik unterlegen, dass sich die Zuschauer ebenso unvermittelt wie bereitwillig für diese Weltraumoper verpflichten lassen. Trotz der Eigenart des Dargestellten dürfte es schwer sein, sich der Faszination dieser ernst und unernst zugleich gemeinten Geschichte zu entsagen, nicht zuletzt aufgrund der intuitiven Vertrautheit mit den Themen des Films – die wie auf einem postmodernen Flickenteppich angeordnet scheinen.

Lucas’ Idee von "Star Wars" war so umfangreich, dass er die Geschichte schnell in drei Teile zerlegen musste. "A New Hope" würde demnach das erste Kapitel bilden, während die beiden weiteren Folgen den intergalaktischen Kampf der Rebellen gegen das faschistische Imperium unter der Führung des Imperators Dark Sidious und seines Gehilfen Darth Vader, einem einstigen Jedi-Ritter namens Anakin Skywalker, der der dunklen Seite der Macht verfallen ist, schildern sollten. Nach eigenen Angaben hatte Lucas die Serie sogar von vornherein als sechs- bzw. neunteilige Saga angelegt. Eine Prequel- Trilogie sollte der Regisseur allerdings erst viele Jahre später inszenieren und den naiven Stoff zu einer ambitionierten Oper in drei Akten umdichten, die mit dem Fall der Republik und Erhebung eines Imperiums die Vorgeschichte als simplifizierte Quasi-Metapher nationalsozialistischer Machtergreifung markieren würde (die Prequel-Episoden vermengen historische Verweise mit Sci-Fi-Unterhaltung zu einer verfremdeten, ehrgeizigen Weltraumparabel). Gleichzeitig ließ Lucas mit dem Beginn der Arbeit zu "Episode I: The Phantom Menace" verlauten, dass es keine inhaltlich an "Episode VI: The Return of the Jedi" anschließenden Folgen geben werde, da der entscheidende Schlag gegen das diktatorische Imperium in diesem letzten Film bereits erfolgt sei, und es kaum lohnte, über drei weitere Episoden lediglich den ausgedehnten Krieg zu schildern, an dessen Ende ohnehin der Sieg der Rebellen stünde. Zudem seien die Geschichten in Literatur, Comics und Hörspielen bereits weitergesponnen, so wie "Star Wars" in einem eigens geschaffenen Universum der Popkultur ein munteres Eigenleben entwickelt hat.

Da Lucas davon ausging, dass er mit seinem Film neue Maßstäbe setzen müsse, um die eigenen Vorstellungen von spektakulären Raumschlachten und halsbrecherischen Flugmanövern im Weltall entsprechend umsetzen zu können, kalkulierte er "Star Wars" mit einem 10-Millionen-Dollar- Budget Um die Produktion des Films zu ermöglichen, unterzeichnete er einen bis dato einmaligen Vertrag mit 20th Century Fox, nachdem er bei Universal vor die Tür gesetzt wurde. Er erhielt eine vergleichsweise geringe Gage für sein Drehbuch und die Regie, sicherte sich hingegen die Kontrolle über seinen Film, die Rechte für die Soundtrackverwertung und Fortsetzungen, sowie für das Merchandising, was von Studioverantwortlichen seinerzeit noch als unerhebliche Zusatzkomponente bereitwillig freigegeben wurde. Später sollte der Regisseur damit zum bestverdienenden unabhängigen Filmemacher aller Zeiten werden, Hollywood den Rücken kehren und ein eigenes Lucasfilm-Imperium erschaffen. Das weltweite Einspiel des Films beträgt heute 775 Mio. Dollar: Es ist, selbst nach inflationsbereinigter Rechnung, der zweiterfolgreichste Film aller Zeiten.

Als seltsames Mantel-und-Degen-Abenteuer im Weltraum, das mit visionären Zukunftsbildern kokettiert, während es gleichzeitig auch als aufgeblasene Retro-Hommage klassischer camp serials erscheint, folgt "Star Wars" einer Vielzahl an Vorbildern. In erster Linie ist der Film eine Art beweisführende Kinoadaption des Buches "The Hero With a Thousand Faces" von Joseph Campbell, das alle Mythen und Sagen auf einen gemeinsamen Nenner zusammenfasste und so deren Reduplikationspotential offen legte. Dramaturgisch und konzeptionell wurde Lucas dann im Konkreten von Akira Kurosawas "The Hidden Fortress" beeinflusst, sogar hinsichtlich der Figurenkonstellation, während die kruden, fantasievollen, eigenbrötlerischen Elemente in der Tradition von "Flash Gordon" stehen. Da Lucas den Film nach eigenen Gutdünken spielerisch aus zahllosen Bausteinen zusammen- setzt, sich bei so verschiedenen archetypischen Filmen wie "Satyricon", "The Sea Hawk" oder "The Wizard of Oz" ebenso wie literarischer Vorbilder von "The Lord of the Rings" bis hin zu "Dune" bedient, kann "Star Wars" problemlos als Mischform aus Science Fiction-Spektakel und Gründungsmythos (1), sowie prägnantes Beispiel für ironisches, sich seiner Bezugnahme augenzwinkernd bewusstes, postmodernes Filmemachen angesehen werden – und trotz seiner Autorenqualität abseitiger New Hollywood-Film.

Die Mischung, vermutlich das Erfolgsrezept von "Star Wars", ist hingegen weniger willkürlich und weitaus mehr einer eigenen Struktur, Vorstellung und Konzeption unterstellt, als man vermuten könnte. Lucas schiebt die Referenzvorbilder nicht vor sich her, um sie der Reihe nach zu zerstreuen, sondern sortiert sie zu einer eigenen Anordnung. Im Prinzip fügen sich die Verweise Lucas’ Faszination fürs Geschichtenerzählen: Dramaturgisch vom moralischen Kampf um Gut und Böse, Spiritualität und Religion, Freiheit und Unterwerfung motivisch angeführt – Robert Kolker nennt es dezent verächtlich schlicht eine "große Colage aus einer Vielzahl von Genres, mit ausreichenden New-Age-Albernheiten über Intuition und Selbstgenügsamkeit gefärbt" (2) –, wirken die Referenzvorbilder letztlich wie Teilstücke eines Leitfadens, werden also weitestgehend sinngemäß integriert und nicht auf wahllose Objekte einer Rückbezugnahme innerhalb der Popkultur wie im Kino Quentin Tarantinos reduziert (wenn- gleich "Star Wars" diesbezüglich als Wegbereiter fungieren mag).

Die verspielte Ausgelassenheit, mit der Lucas sein "Star Wars"-Universum zum Leben erweckt, enttarnt ihn letztlich auch als jungen Regisseur mit kindlichem Gestus, der jeden Wert aufs Spektakel setzt: Die vielseitigen, oben benannten Einflüsse dienen schließlich einer großen Vision vom Kino der Reize und Emotionen, bei dem alle ästhetischen Konstruk- tionen einem Effekt des Erlebbaren und des Staunens untergeordnet werden. Die Naivität, mit der Lucas auf einen unerschöpflichen Bildervorrat zurückgreift, um sein Spektakel so mitreißend und fühlbar wie nur eben möglich zu erschaffen, erinnert nicht von ungefähr an seinen Freund und Weggefährten Steven Spielberg. Am Stärksten zeigt sich der fast fahrlässig unbeschwerte Ideenreichtum des jungen Regisseurs im Finale, das Set-Up und Einstellungen des Leni-Riefenstahl-Films "Triumph des Willens" imitiert, kopiert oder auch zitiert: Vermutlich überwältigt von der filmischen Erhabenheit und Technik, mit der Lucas (wie viele seiner Kollegen) auf der Filmuniversität in Berührung kam, lässt er die Rebellen der Galaxis im großen Thronraum der Allianz im Nazi-Stil auflaufen. Sich des Irrsinns, die faschistische Ästhetik Riefenstahls nicht problemlos von deren auch faschistischer Ideologie abtrennen zu können, sichtlich unbewusst, besteht für Lucas nicht einmal ein Widerspruch darin, die revolutionären, in rot gekleideten Rebellen des Imperiums im fascho-chic zu präsentieren. Auch jenseits jedweder Ironie, die man dort vermuten möchte.

Weltraumhelden im Nazi-Chic: "Triumph des Willens" und "Star Wars"

Dass sich Lucas’ Vorhaben, den Zuschauer ähnlich wie Luke Skywalker regelrecht in das Abenteuer zu schubsen, ihn dann aber an die Hand nehmen und große Unterhaltung garantieren zu können, als so erfolgreich erwies, ist hingegen nicht nur mit der starken Erzählung, sondern der ebenso mächtigen visuellen Ausgestaltung zu erklären. Lucas gründete unter der Führung von John Dykstra Industrial Light and Magic (ILM), eine Teilfirma von Lucasfilm Ltd., die kurze Zeit später zur marktführenden Spezialeffektsschmiede der USA reifte und ihren Hauptsitz noch heute auf der Skywalker-Ranch Lucas’ hat, um völlig neue graphische Effekte zu entwickeln. Entgegen gängiger Rückprojektionsverfahren arbeitete "Star Wars" mit der Blue-Screen-Technik, bei der Hintergründe und Details in der Nachbearbeitung entstanden. Zusätzlich wurden die spektakulären Verfolgungsjagden der X-Wings und Tiefighter mit einem Motion Control-Verfahren, bei dem computergesteuerte Kameras die Modelle filmen, inszeniert (tatsächlich computergeneriert sind im Film allerdings nur diverse Lageplangrafiken im Hintergrund). Da sich Lucas selbstredend für die Darstellung von Schall im Weltraum entschied, mussten für die Actionszenen entsprechende Sounds entwickelt werden, deren Laserschwertbrummen und schreiend über die Leinwand brechenden Raumschiffe nicht nur ebenfalls zu einem Markenzeichen des Films wurden, sondern den majestätischen Kämpfen der Raumschiffe erst das Gefühl von Spektakel und Mittendrin verliehen.

Das Element, welches jedoch am Stärksten Kontinuität stiftet, das eigenständige Zusammenhänge in einem Groß an Referenzen schafft und dem bunten Treiben eine höhergestellte Verbindung impliziert, ist zweifellos John Williams Musik. Die facettenreiche Partitur verweist innerhalb des Films auf Handlungsabschnitte und Figuren, bindet die Struktur, die Ereignisse und Action, sie deutet an und ergänzt, unterstreicht und führt fort, schafft Bezüge und Charaktere, ja erscheint mitunter gar als eigentlicher Leiter des Films, als sein Regisseur. Die Musik arbeitet oft, gerade in einem verhältnismäßig dialogarmen Film wie "Star Wars", als zwischentextliches Element, das meist erst jene Bedeutung ausbildet, die die Bilder unterschwellig, aber unbeholfen auszudrücken versuchen (beispielsweise in der Sequenz, als Luke Skywalker in die Doppelsonne blickt, und ein bewegendes, episches Motiv auf Schicksal und Hoffnung des noch etwas befremdlichen Helden verweist). Als Rückkehr zur sinfonischen Hollywoodmusik gefeiert, zählt Williams Arbeit heute zu den bedeutsamsten Filmmusiken aller Zeiten. Und George Lucas als erfolgreichster Independent-Regisseur Hollywoods – jenseits von Hollywood.

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Literatur:

• Salewicz, Chris (1998): Nahaufnahme. George Lucas, Hamburg: Rowohlt
• Die Rückkehr der Weltraumkrieger. In: Cinema 4/97, S. 92-111
• Hearn, Marcus (2005): Das Kino des George Lucas, Berlin: Schwarzkopf & Schwarzkopf
• (1) vgl. Kuller, Christiane (2006): Der Führer in fremden Welten: Das Star-Wars-Imperium als historisches Lehrstück?. In: Zeithistorische Forschungen/Studies in Contemporary History, Online-Ausgabe 3, H. 1
• (2) Kolker, Robert (2001): Von Dinosauriern und Schiffen. Steven Spielberg, große Dinge und digitale Inszenierungen. In: Allein im Licht, München und Zürich: Diana Verlag, S. 360