Kino: THE IMITATION GAME

Endlich ein angemessener Film über Alan Turing. Und es ist keine Schande, nie von diesem Mann gehört zu haben. Anerkennung blieb dem Mathematiker nämlich schon institutionell verwehrt, so der britische Geheimdienst und andere Behörden viel daran setzten, seine Arbeiten jahrzehntelang unter Verschluss zu halten. Sich sogar sträubten, den ehrlosen Umgang mit dieser positiven Schlüsselfigur des Zweiten Weltkrieges wenigstens posthum zu korrigieren. [...]

weiterlesen

Kino: CAN A SONG SAVE YOUR LIFE? [aka. BEGIN AGAIN]

Die Kraft der Musik und so. Der eigentlich ziemlich privilegierte Traum von unangepasster Selbstverwirklichung. Und eine Liebeserklärung ans Großstadtleben, das natürlich auch. Aber es nützt ja alles nichts: Irgendwie kriegen sie einen dann doch immer wieder, die Musikgewinnerfilme über Musikverlierertypen. Zuletzt drehten die Coen-Brüder mit "Inside Llewyn Davis" einen ebensolchen, nun legt "Once"-Regisseur John Carney nach. [...]

weiterlesen

Kino: JACK RYAN - SHADOW RECRUIT

Erstaunlich, dass es nach dem kommerziellen Erfolg von "Der Anschlag" ganze 12 Jahre gedauert hat, bevor mit "Jack Ryan: Shadow Recruit" erst jetzt ein weiterer Film um Tom Clancys berühmten CIA-Agenten in die Kinos kommt. Wie mittlerweile allzu üblich wurde der Stoff für die nunmehr fünfte Kinoadaption dabei gleich noch mal auf Null gesetzt: Eine Origin-Story, die den Ursprungsmythos des US-Helden fernab der Romanvorlagen neu entwirft. [...]

weiterlesen

Kino: ANNA KARENINA

Vorhang auf: Die strikten Lebensverhältnisse des russischen Spätadels interpretiert diese neue Kinoverfilmung von Leo Tolstois "Anna Karenina" gleich in der ersten Einstellung buchstäblich als gestelltes Theater. "Wer ist Hanna?" Regisseur Joe Wright lässt seine Muse Keira Knightley in der Titelrolle von einer Selbstverwirklichung im engen Korsett des Feudalismus träumen – so vorlagentreu, aber auch manieriert und künstlich wie bislang keine andere Adaption des berühmten Tolstoischen Sittengemäldes. [...]

weiterlesen

Kino: ATONEMENT

Sobald diese Frau auf der Bildfläche erscheint, gehört ihr, ihr ganz allein die ganze große Leinwand. Keira Knightley hat es, das gewisse etwas, sie ist so grazil und edel, so anmutig und schön wie fast filigran. Ihre flachbrüstige, kokette Ausdruckskraft lässt immer wieder an Audrey Hepburn denken, doch der Vergleich allein wird ihr nicht gerecht. Es war Joe Wright, der aus Knightley das rausholte, was weder die Piraten der Karibik noch König Arthur auch nur im Ansatz schafften: Diese junge Frau kann spielen, kann mit wenigen Gesten höchste Präsenz einfordern, selbst nebst so talentierten Herren wie Matthew Macfadyen oder nun James McAvoy. Und mehr noch: Sie schultert ganze Filme mühelos, mit einer Leichtigkeit, einer Ungezwungenheit, die schlicht und ergreifend wunderbar ist, ganz besonders wunderbar.

Nach "Pride and Prejudice" steht sie erneut unter der Regie von Wright vor der Kamera, wieder ein Kostümfilm, wieder nach einer Literaturvorlage. Doch nicht Jane Austen lieferte den Stoff für das dramatische, dreiaktige Kabinettstück aus Intrigen und Verzweiflung namens "Atonement" – Abbitte –, sondern der Brite Ian McEwan. Ein Engländer also, schon wieder.

Der Film erzählt zunächst ein fast klassisches Landhausdrama. Der englisches Adel steht im Mittelpunkt, 1935 das Jahr: Ein kleines Mädchen (Saoirse Ronan) hegt große Gefühle für den Sohn des Haushälters, den charmanten Robbie (McAvoy). Doch Briony hat abgesehen vom Offensichtlichen wenig Chancen bei ihrem Schwarm, der nicht nur mit ihrer Schwester Cecilia (Knightley) anbandelt, sondern im Eifer des Gefechts auch gern mal obszöne Liebeswünsche per Post verschickt: "In my dreams I kiss your cunt, your sweet wet cunt.". Der Unmut aus langsamer sexueller Reife und unerwiderter Liebe artet schließlich in einer fatalen Beschuldigung aus: Briony gibt gerichtlich zu Protokoll, dass Robbie die minderjährige Cousine vergewaltigt habe – wohl wissend, dass dem nicht so war.

Was folgt ist ein radikaler Szenenwechsel. Bis hierher erstrahlte "Atonement" in sanftmütigen, betörend weichen Bildern, wirkte unbeschwert und leicht in Szene gesetzt. Lange noch bleibt die Eingangssequenz in Erinnerung, in der Briony ganz erregt über ihr erstes geschriebenes Drama durchs Haus läuft, untermalt von einem mindestens so einfallsreichen wie wunderschönen Musikscore, der in seine Pianoklänge schnelle rhythmische Tipplaute einer Schreibmaschine einflechtet. Wright ist hier in seinem Element, die visuellen Ideen sind wagemutig, frisch und modern, ganz so verspielt also wie in seinem Vorgänger "Pride and Prejudice". Die Kamera gleitet fast schwerelos durch Räume und über Felder, und eine mehrere Minuten andauernde, ohne Schnitte vollzogene Fahrt am Strand von Dünkirchen gerät mit meisterlicher Präzision schlicht großartig.

Da befindet man sich dann schon im zweiten Drittel, das den lädierten Robbie als Kriegsgetriebenen zeigt, nachdem er vier Jahre unschuldig im Gefängnis saß. Spätestens hier jedoch – zuvor war "Atonement" zwar geschickt, aber auch recht belanglos – bricht der Film ein. Der große Krieg nach dem kleinen Liebesdrama überfordert Wright, das übersteigt die Fähigkeit des Films, wirkt fremd, nicht gekonnt und zusehends langatmig. Es fällt schwer der bis dato zweigeteilten Romanze zu folgen, weder wurde McAvoys Figur ausreichend Raum zugesprochen, als diese gleich die Hauptlast der Erzählung zu tragen vermag, noch können die parallel eingestreuten Herzschmerzblicke der Knightley für nachvollziehbare Herbstromantik sorgen. Ganz deutlich pendelt der Film hier im nirgendwo, weiß offenbar nicht wohin die Reise gehen soll und bleibt aufgrund seiner blassen Charaktere und dem kaum entwickelten Figurendreieck Briony-Cecilia-Robbie ohne Belang – trotz vielen hübschen inszenatorischen Einfällen, beispielsweise der immer wieder unterschiedlichen Variation des Schreibmaschinentippens, simuliert mal als Geräusch eines Zuges, dann wieder als anknipsende Lampen eines langen Flurs.

Schließlich kehrt "Atonement" erneut zur Briony-Figur zurück, die mittlerweile erwachsen geworden ist, als Krankenschwester arbeitet und mit den inneren Dämonen ihrer schrecklichen Kindstat zu kämpfen hat. Diese letzte Drittel ist schwungvoller in Szene gesetzt, indes aber auch interessanter, da diese Figur anfangs mit verhältnismäßig größerer Sorgfalt vorgestellt wurde – ihre weitere Entwicklung also von größerem Belang ist, als die sperrige Liebesgeschichte. Dass die Erzählung jedoch auch hier unschlüssig wirkt, zusammenhangslos und lückenhaft erscheint, ist nicht von der Hand zu weisen. "Atonement", das ist spätestens dann klar, mag sympathisch und annehmbar sein, aber wirklich gut ist er nicht.

Dieses Urteil wird erschüttert, ja radikal in Frage gestellt, wenn der Film zu einem Fernsehinterview mit der ergrauten Briony (Vanessa Redgrave) schwenkt, die erst hier nun endlich ihre Abbitte leistet: Die zuvor gezeigte Entschuldigung bei Cecilia und Robbie, die glückliche späte Fügung der Ereignisse war nur ein Konstrukt, eine Fantasie jener Frau, die es in Wahrheit nicht geschafft hat, ihre Lüge aufzuklären. Hier taucht es wieder auf, das Motiv des Films, das Klacken der Schreibmaschine: Prinzipiell also hat Briony nur einen weiteren, sicherlich den Roman ihres Lebens geschrieben, und der Zuschauer war mittendrin. Jeder Vorwurf, "Atonement" sei unglaubwürdig und kaum nachvollziehbar, wird hier fast reumütig abgewiesen. Fast wirkt es so, als entschuldige sich der Film für die Fiktion, die er zwei Stunden lang bedient hat, und die eigentlich nur der Verzweiflung und dem Eskapismus einer alten Frau zuzurechen ist. Macht es sich der Stoff hier zu leicht, oder sollte man diese Ode ans Geschichtenerzählen tatsächlich als nahezu grandios feiern?

60%

Retro: PRIDE & PREJUDICE (2005)

Auch wenn Jane Austen zumindest im Dialog um Verfilmungen ihres literarischen Schaffens gern als spätromantische Ausgabe oder gar Vorläuferin trivialer Gesellschaftskunde, wie man sie heutzutage – hierzulande – besonders von Rosamunde Pilcher kennt, unterschätzt wird, so geht dies insbesondere einher mit dem Umstand, dass ihre vordergründig (vermeintlich) kitschig gefärbten und leichten Stoffe vor allem herausragende, genaue Studien sozialer und gesellschaftlicher Schichten bilden. Die meist glücklichen Abschlüsse unglücklicher Ereignisse sind dabei eher als künstlerische Freiheit im Sinne dezent verklärender Konventionalisierung zu verstehen, täuschen aber keinesfalls darüber hinweg, wie scharfsinnig und zurückhaltend Austen die (nicht selten obskuren) Eigenheiten der englischen Stände porträtiert.

In Bezug auf die filmische Adaption dieses Werkes war es ein Glücksfall, dass sich 1995 der taiwanesische Regisseur Ang Lee ihrer annahm. "Sense and Sensibility" war die lebendige, meisterliche Entsprechung der Austenschen Ironie in Bildern; mit wunderbarer Sentimentalität und einer inszenatorischen Genauigkeit, die die ohnehin exakten Beschreibungen der Vorlage unterfüttert und gar noch übertrifft, sollte es die beste Verfilmung eines Austen-Romans werden. Daran kann auch Joe Wright nichts rütteln, wenngleich "Pride and Prejudice" ein unerwartet toller Film geworden ist. Und mit Mut zur künstlerischen Eigenständigkeit nach einer Reihe vieler mehr oder weniger gelungener Adaptionen Ende der 90er sogar die interessanteste.

Die Frische, mit der Wright einen der populärsten und beliebtesten Austen-Stoffe umsetzt, überrascht und entzückt zugleich: Spielerisch und überaus ausgelassen umkreist die Kamera ihre adrett gekleideten Figuren, durchfährt sie minutenlang ohne Schnitte opulente Räume und scheint sich an den bezaubernden Gesichtern von Keira Knightley oder Rosamund Pike gar nicht satt sehen zu können. In vielen Momenten, darunter einer Schaukelszene, bei der die Photographie rasanten 360°-Drehungen folgt, um den verwirrten Gefühlszustand seiner verzweifelten Figur zu bebildern, manifestieren sich hübsche visuelle Ideen, die dem Film einen modernen Anstrich geben, der sich angenehm vom klassischen Stil anderer Verfilmungen abhebt.

Die größte Überraschung von "Pride and Prejudice" aber heißt Keira Knightley. Hier regelrecht offenbart sich, wie unterfordert die junge Schauspielerin durch Kostümepen stolpern musste, um in die Rolle der klassischen Austen-Heldin schlüpfen zu dürfen. Ihr allein gehört dieser Film, und als Zuschauer kann man gar nicht genug bekommen von Knightleys traumhafter Präsenz, ihren geheimnisvollen Augen und ihrer selbst beherrschten Darstellung der törichten, aber unglücklichen Lizzie. Erst recht wenn sich die schnippischen Dialoge mit dem sprachlich so feinen englischen Mundwerk entfalten, reift Wrights Film zu einem lichten Moment des von seinem Ensemble getragenen Schauspielerkinos – nicht nur die hinreißende Brenda Blethyn oder der charmante Matthew MacFadyen begeistern, auch Donald Sutherland war schon lange Zeit nicht mehr so brillant wie als gutherziger, besorgter Vater Bennet.

"Pride and Prejudice" also ist eine verträumte, aber ebenso aufmerksam erzählte Reise ins 19. Jahrhundert, wo Titel alles und Individualität nichts bedeuten. Darin ist Knightley als selbstbewusstes Mädchen, das mit eigenem Willen zeittypischen Rollenmustern zuwiderläuft, eine wahre Entdeckung. Möge man ihr die weitere Entwicklung hin zu komplexen Rollen wünschen – und dem Film bzw. der Vorlage die Tatsache, dass jegliche Rebellion letztlich doch nur in der Fügung vorherrschender Systeme mündet, verzeihen. Manchmal, da kann das Schmachten dann eben doch so schön sein.

75%

Kino: PIRATES OF THE CARIBBEAN 3

Seebären, Fischköpfe und Freibeuter auf der einen, tuntige Gauner, halbtote Kapitäne und ein inmitten lautstarken Kampfgetümmels geehelichtes Liebespaar auf der anderen Seite – nicht viel Neues von der Piratenfront, selbst wo die Produzenten nun gar das Ende der Welt aufsuchen müssen, um Captain Jack Sparrow und seine illustre Anhängerschaft aus den Vorgängern zum letzten Streich antreten zu lassen. Das Titel stiftende Ende ist übrigens in Singapur zu finden, dort gesellt sich Neuzuwachs Sao Feng zur Gemeinschaft des Ringes – Pardon, der magischen Münze – und hält den smarten Will Turner gefangen, der zwar nicht in Carbonit, dafür jedoch einer Wasserkiste gefangen auf die Errettung durch seine Freunde hofft. Was als Trilogie nie konzipiert war – und sich in der Fortsetzung deshalb als Fall für die Konstrukteure erwies – wird nun zu einem gleichermaßen wirren wie ermüdenden Abschluss geführt: "Pirates of the Caribbean: At World's End" versteht sich als episches Finale und ist doch nicht mehr als ein gedehntes, schrecklich geschwätziges und überlanges Multiplexprodukt, das an jeder nur erdenklichen Ermüdungserscheinung krankt.

Aber zurück zum Anfang. Gemessen am sonderbaren Umstand, dass Gore Verbinskis unter der Produktionsfittiche von Jerry Bruckheimer initiierter "Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl" auf einer Disneypark- attraktion basiert, hatte die frivole Art des Films durchaus ihren Reiz. Immerhin trafen dort nicht nur allerlei quirlige Figuren aufeinander, sondern wurden auch Genregrenzen soweit ignoriert, dass die verspielte Mischung aus Piraten-, Fantasy- und Abenteuerfilm ihre eigenen Regeln aufzustellen schien. Doch so interessant das ganze in konzeptioneller Hinsicht ausfiel, so sehr schwächelte es in seiner Dramaturgie – zahlreiche Wiederholungen und Dopplungen waren nötig, um die dünne und aufgeblähte Geschichte in einigermaßen logische Erzählmuster zu pressen. Der direkte Nachfolger "Dead Man's Chest", der finanziell schon jetzt als dritterfolgreichster Film aller Zeiten gilt, litt unter denselben Hängern – die Handlung drehte sich im Kreis, steuerte ziellos umher und ließ jede Stringenz vermissen.

Alle guten Dinge sind drei – gilt das eigentlich auch für die schlechten? Oder ist das der Fluch einer jeden back-to-back mit dem ersten Sequel gedrehten dritten Episode? "At World's End" unterbietet seinen Vorgänger nämlich gleich in vielerlei Hinsicht. Ein wahllos erzählter, völlig nichtiger, aufgeblasener und stinklangweiliger Schrott ist das. Da wird ohne jede Liebe fürs Detail, ohne jegliches Gespür für stimmungsvolles visuelles Erzählen, ja gar ohne erkennbaren Willen vor sich herinszeniert, dass es einen schaudert. Im Minutenrhythmus wechseln die Figuren ihre Seiten, ist mal der eine gut, mal der andere böse, kämpft mal dieser auf jener und jener auf dieser Seite, ohne dass auch nur für eine Sekunde klar würde, was dieser ganze Unfug eigentlich soll. Jack Sparrow ist nunmehr eine Marionette, die Johnny Depp einschläfernd und sichtlich desinteressiert für 20 Millionen US-Dollar in Bewegungen versetzt, während auch der Rest der Meute das tut, was man von ihnen kennt – nur eben nicht viel mehr. Keine Überraschungen, keine originellen Neuzugänge, keine Ideen. Selbst den im zweiten Film so großartig zwischen Slapstick und Klamauk auschangierten Humor, man denke an die Sequenzen auf der Insel, sucht man vergebens.

Sicher, auch dieser dritte Teil hat manch schickes Bild zu bieten, Dariusz Wolski darf gar surreales Terrain betreten und Rick Heinrichs Ausstattung macht selbst den ärgerlichsten Drehbuchleerlauf noch einigermaßen erträglich. Doch wo ist der versprochene visuelle Bombast? Bot "Dead Man's Chest" mit Davy Jones und der Besatzung der Flying Dutchmen neue Schauwerte (wenngleich hier nur die Bösewichte des Vorgängers variiert wurden), muss das Finale ohne monströse oder anderweitig reizvolle Neuzugänge auskommen. Bis es dann einige ansehnlich choreographierte Actionmomente zu bestaunen gibt, muss man rund zweieinhalb Stunden warten – bis dahin demonstriert Verbinski, dass er unfähig ist, seine Geschichte mit anderen Mitteln umzusetzen als beständig in Erklärungs- und Dialogwut zu verfallen. Hans Zimmer komponiert dafür hübsch oberflächliche Musikstückchen und fügt sich der aufge- dunsenen Koketterie dieses Films gewohnt bieder – das ist mitunter erstaunlich erträglich, nimmt allerdings zuweilen auch schmerzhafte Gestalt an, wenn beispielsweise mit grober Einfältig- und Fahrlässigkeit Morricone zitiert wird. Irgendwann dann taucht auch noch Keith Richards als Sparrow-Papa auf, dem man originellerweise eine Gitarre umgehängt hat. Und als wäre das alles nicht schon doof genug, löst der Film beinahe jeden seiner (vorher großspurig kreierten) Subplots in komplette Banalitäten auf. "Der Tod macht den Tag erst lebenswert", spricht Captain Barbossa. Ein guter Film ebenso.

30% - erschienen bei: Wicked-Vision.de

Kino: PIRATES OF THE CARIBBEAN 2

Die Fortsetzung des auf alle Altersgruppen zugeschnittenen, vom Hollywoodgiganten Jerry Bruckheimer produzierten und mit weltweit über 650 Mio. US-Dollar Einspiel naturgemäß unheimlich erfolgreichen Kinohits "Fluch der Karibik" ("Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl") aus dem Jahre 2003 knüpft inhaltlich nahtlos an diesen an, begeht allerdings auch viele ähnliche Fehler und ist letztlich sogar noch einmal deutlich schwächer als sein Vorgänger, getreu dem Motto „never change a winning team“ back-to-back mit einem dritten Teil für 2007 abgedreht.

Regisseur Gore Verbinski ("The Mexican", "The Ring") zauberte mit seinem überaus unterhaltsamen ersten Film der Trilogie eine wenig originelle, aber dennoch spaßige Adaption der bekannten Disneyparkattraktion, eine nette Wiederbelebung des Piraten- mit den Zutaten des Fantasyfilms, wo Säbel rasselnde Haudegen auf verfluchte Seezombies trafen und schöne Frauen in den armen ebenso schöner Männer landeten. "Fluch der Karibik" wurde dabei zweifellos von Johnny Depp ("Edward Scissorhands") getragen, dessen völlig skurrile Figur Jack, Pardon, Captain Jack Sparrow, ein tuntiger Pirat nämlich, für den essentiellen Humor sorgte und dem außergewöhnlich vielseitigen Depp nebenbei eine Oscarnominierung als bester Hauptdarsteller einbrachte. Doch krankte die Verfilmung dennoch an einer hanebüchenen Dramaturgie, sowie einer genau genommen völlig unspektakulären Geschichte, die sich dazu beständig im Kreis drehte: Gegen Mitte des Films waren alle Protagonisten bereits auf der Schatzinsel versammelt, das Geschehen löste sich jedoch arg konstruiert wieder auf, um nahezu unverändert eine weitere Filmstunde später erneut auf besagter Insel das Finale einzuläuten. Die Überlänge von knapp zweieinhalb Stunden war die unbestreitbare Schwäche von Verbinskis Film.

Und es ist auch die des Sequels. Dafür müssen abermals die beiden Drehbuchautoren Ted Elliott und Terry Rossio ("Godzilla", "Shrek") verantwortlich gemacht werden, verstehen sie es doch erneut nicht, ihren Film straff zu erzählen, sondern fügen ein Ereignis an das nächste, unklar, wo das ganze denn nun beginnt und viel wichtiger, wo es überhaupt hin möchte. Die Autoren lassen die Parallelstränge mitunter völlig ungeordnet verlaufen, stets unentschlossen, wo denn das dramatische Potential der Geschichte nun liegen soll. Dabei geht es ähnlich wie im Vorgänger vom Schiff aufs Land, zurück aufs Schiff und wieder auf die Insel, dann muss dieser und jener Schlüssel entdeckt werden, um wiederum diese und jene Kreatur zu bezwingen - kurz: Ein zielloses hin- und her, aufgeblasen auf gefühlte dreieinhalb Stunden.

Die Fortsetzung hat darüber hinaus auch mit dem Problem zu kämpfen, dem Zuschauer wirklich neue Ideen zu präsentieren. Nicht nur ist der ungewöhnliche Mix und damit Aha-Effekt des Vorgängers nun bestens bekannt, die hier aufgefahrenen Bösewichte, Davy Jones und die ruhelosen Seemänner der „Flying Dutchman“, sind nichts anderes als eine Variation der Zombiepiraten um Captain Barbossa (Geoffrey Rush) aus dem ersten Film, dabei allerdings ohne den nötigen Biss und relativ lustlos ersonnen. Zudem ist Bill Nighy ("Shaun of the Dead") zwar ein göttlicher Schauspieler, seine Tintenfischfigur, so atemberaubend ihr optisches Erscheinen auch ist, besitzt allerdings ungleich weniger Profil als die von Rushs dargestelltem Barbarossa. Der Einsatz der beiden trotteligen Piraten, die abermals für den Dick und Doof-Humor sorgen (sollen), wirkt da vielmehr wie ein Festhalten an den eben besser ausgearbeiteten Charakteren des Vorgängers. Besonders störend ist außerdem der Subplot um Will Turner (Orlando Bloom) und dessen Vater Bootstrap Bill (der tolle Stellan Skarsgård), fehlt hier einfach die nötige emotionale Tiefe, die aufgrund der Andeutungen im zuvorigen Film vonnöten gewesen wäre, und behindert er letztlich als ein weiterer Faktor die flüssige Erzählung.

Ist "Pirates of the Caribbean - Fluch der Karibik 2", so der wenig konsequente deutsche Titel, mit detailgetreuen Sets und einer beachtlichen Ausstattung visuell weitgehend überzeugend geraten, so muss man dennoch Kritik an den Special Effects um ILM-Guru John Knoll üben, enttäuschen doch insbesondere die Szenen mit dem Riesenkraken erheblich und wirken letztlich nicht wirklich besser als beispielsweise jene in "Deep Rising" (1998). Animiert wurden auch die überwiegenden Mitglieder der „Flying Dutchman“, die jedoch ebenfalls nicht zu den gelungeneren CGI-Kreaturen der letzten Zeit gehören, hat der um die 60 Mio. Dollar günstigere Vorgänger somit auch diesbezüglich die Nase vorn. Unterlegt ist all jenes Actiongetümmel mit dem üblichen Hans Zimmer-Einheitsbrei, der das wenig Piratenfilm artige Klaus Badelt-Gedudel, das zudem lediglich eine Aufwärmung der Themen aus "The Rock" darstellte, des ersten Teils nahezu unerweitert fortsetzt.

Bei all dem Mangel an Dramaturgie und einer fehlenden Stringenz in der Regie lebt die Fortsetzung nichtsdestotrotz immer noch von der wunderbaren Cast, allen voran Johnny Depp, der erneut die wirklich witzigen Momente ausfüllt und hier mehr noch als zuvor auf Slapstickeinlagen setzt, die er absolut großartig beherrscht und dabei wie so oft an komödiantische Stummfilmvorbilder erinnert. Seine Soloauftritte, unter anderem als wild umherirrendes Opfer auf der Flucht vor hungrigen Inselkannibalen, gehören schlicht und ergreifend zu den besten One-Man-Nummern seit geraumer Zeit und isolieren dessen Darstellung qualitativ deutlich von seinen Kollegen. Denn Keira Knightley ("The Jacket") und Orlando Bloom ("The Lord of the Rings") sind mit weitaus weniger Talent gesegnet, absolvieren hier allerdings eine grundsolide Leistung, die im gesunden Verhältnis zu ihren vergleichsweise blassen Figuren steht. Die bereits erwähnten Neuzugänge Bill Nighy und Stellan Skarsgård runden das überdurchschnittliche Ensemble ab und werten den zweiten "Fluch der Karibik" somit zumindest ein klein wenig auf.

55% - erschienen bei Wicked-Vision.de