Kino: DIE FÄLSCHER

Der mittlerweile über 90jährige, ehemalige slowakische Kommunist Adolf Burger hat das erlebt, was der österreichische Regisseur Stefan Ruzowitzky ("Anatomie") mit seinem Film "Die Fälscher" in ein kurzes Stück Unterhaltungskino ummodelliert. Zwischen 1942 und ’45 arbeitete er (gespielt von August Diehl) neben Salomon Smolianoff bzw. im Film leicht verändert in Sorowitsch (brillant: Karl Markovics) als Geldfälscher im Konzen- trationslager Sachsenhausen. Mit den staatlich verordneten Blüten erhoffte sich die SS damals eine wirtschaftliche Destabilisierung des englischen und US-amerikanischen Feindes, indem sie das Falschgeld unter die Menge bringen wollte. Die jüdischen Beteiligten des "Unternehmens Bernhard" wohnten unter besseren Lebensbedingungen in einem Sonderkomplex, den sie "Goldenen Käfig" nannten.

Dort schliefen sie anders als die restlichen Insassen in bequemeren Betten, verfügten über geregelte Mahlzeiten und eine Sanitäranlage. Zum Ende des Zweiten Weltkrieges, als die SS-Kommandanten das Lager fluchtartig verließen, wurden die Fälscher von ihren Mithäftlingen zunächst für Nazis gehalten – sie waren genährter und kräftiger auf den Beinen als sie. Insgesamt haben sie Blüten im Wert von 134 Millionen Pfund herstellen müssen, doch dank ihrer Verzögerungstaktik konnten die Nazis das nahezu perfekte Falschgeld nicht mehr in Massenproduktion geben.

Diese Geschichte der größten staatlichen Geldfälschungs- aktion aller Zeiten ist eigentlich unglaublich. Und genau deshalb auch setzt Ruzowitzky sie mit konventionellen filmischen Mitteln um, damit sie begreifbar wird. Dafür gelten abermals die Kompromisse, die im Kino bei diesem Sujet immer gelten müssen: Das Unfassbare fassbar zu gestalten. "Die Fälscher" ist ein ambitionierter, spannender und – natürlich – bewegender Film. Das verdankt er aber nicht seiner mit Klischees überfrachteten Inszenierung, sondern dem realhistorischen Unterbau: Dieses Kapitel in der Geschichte des Dritten Reichs wurde bislang eher wenig beleuchtet. Und das urdeutsche Filmphänomen greift auch hier. Im Kino darf sich der Deutsche weniger schwer tun mit seiner Vergangenheit, als das sonst der Fall ist.

Denn die Gewissensappelle und Bekenntnisse ermöglichen eine Identifikation mit dem jüdischen Opfer, das sonst so unnahbar scheint und über eine sympathische und physisch wehrlose Charakterisierung vom einzelnen Individuum zu einer Gesamtheit abstrahiert wird. Im selben Moment schaffen sie Distanz zum deutschen Täter, dem Monstrum in Menschengestalt, das nun ein bizarres Gesicht erhält – der deutsche Zuschauer darf sich keineswegs mit der deutschen Filmbestie auf der Leinwand identifizieren. Dem Kino wird die Funktion zuteil, seinem Zuschauer einen Raum zu geben, in dem er seine Geschichte in kompakter, eindringlicher und emotional forcierter Weise rekapitulieren und schließlich verarbeiten soll. Das brachte in Filmen wie Oliver Hirschbiegels "Der Untergang" groteske Überzeichnungen, deren unfreiwillige Gegenwirkung aus verharmlosender, vermeintlicher Geschichtsüberwindung bestand. Die mythische Verklärung als Folge ehrenwerter, aber fehlkonzipierter Kompromisslosigkeit im Umgang mit der deutschen Kriegshistorie ist vielen Kinofilmen über den Nationalsozialismus gleich.

Obwohl "Die Fälscher" demgegenüber ein verhältnismäßig gelungener deutscher Beitrag ist, muss auch er sich mit der Problematik zurechtfinden, komplexe Ereignisse möglichst verkürzt und abstrahiert darzustellen. Der kaum zu ertragende Druck, dem die Geldfälscher standhalten müssen, wird mit einem kurzen Wutausbruch der Hauptfigur verdeutlicht. Die Angst und Sorge um die verstreuten Familienmitglieder kommt dadurch zum Ausdruck, dass einer der Mitarbeiter in den Auschwitzpässen für die Fälschungs- vorlagen die Dokumente seiner Kinder entdeckt und zusammenbricht. Und dass auch die befehlenden Nazikommandeure nur kleine Glieder einer Kette und gar nicht einmal zwingend nationalistisch ideologisiert sind, wird über den Monolog eines Aufsehers vermittelt (bedenklich!). Diese episodischen, in ihrer Funktion zu erkennbaren und konventionellen Momente behindern die intensive und grundsätzlich zu einem bemerkenswerten Drehbuch verfasste Geschichte.

Dennoch möchte man dem Film tendenziell mit Wohlwollen begegnen, nicht nur weil er über ein verhältnismäßig noch wenig bekanntes Ereignis berichtet, sondern auch weil er nur selten in die alles zerkauenden, heuchlerischen und plakativen Erklärungsmuster vieler anderer deutscher Filme über die eigene Nazivergangenheit verfällt. Meist behutsam und zurückhaltend im Ton gelingt vor allem die konsequente Erzählung aus Sicht der Fälscher. Die Schrecken des Krieges, die Zustände in den anderen Blöcken, all das, was die Sondertruppe nicht direkt wahrnimmt, bleibt auch dem Zuschauer verborgen. Hier appelliert der Film an die Grundkenntnis und Fähigkeit des Publikums, entsprechende Szenarios selbständig auszufüllen. Das unterscheidet ihn von anderen Geschichtsaufarbeitungen, die allen gerecht werden wollen, indem sie die ganze Bandbreite ihres Themas zu servieren versuchen und keinen wirklichen Fokus besitzen.

Leider aber ist Ruzowitzky wie bereits erwähnt in der Wahl seiner Mittel sehr grobschlächtig. Den größten Makel bildet dabei die Kameraführung. Ohne ersichtlichen künstlerischen Grund wackelt sie unaufhörlich umher, umkreist die Personen und möchte einfach nicht still stehen. Das hat weder eine authentische noch den Zuschauer mit einbeziehende Wirkung, sondern eher im Gegenteil: Es schafft eine Distanz – davon abgesehen, dass die entfesselte Photographie nicht zu dem durch Raum und Zeit beengten Inhalt passen möchte.

Eines der weiteren maßgeblichen Probleme ist die Figurenzeichnung: Löst sich der Film erstaunlich von den angesprochenen Mustern anderer Produktionen, so bedient er leider die gängigen Klischees bei der Darstellung der Faschisten. Weil auch "Die Fälscher" sie offenbar nicht begreifen kann, werden sie zu Karikaturen gemacht, die mal menscheln, mal hysterisch und unzurechnungsfähig erschei- nen. Das ist außerdem übertrieben gespielt, z.B. mit dem üblichen überbetonten Berliner Akzent und wirkt verharmlosend. Obwohl sich ein derartiger Umgang mit den Geschichtsmonstren ja bewährt zu haben scheint: Zuletzt erntete "Das Leben der Anderen" vielerorts Anerkennung, trotz seiner fragwürdigen Überzeichnung der Figuren, darunter einem sächselnden Schreibmaschinenexperten, der eher lächerlich als bedrohlich wirkt.

So eindrucksvoll die zentrale Figur des Films von Karl Markovics interpretiert wird, so blass bleibt der völlig facettenlose August Diehl an dessen Seite. Zwar ist seine Rolle bereits eindimensional angelegt und beschränkt sich auf ideologische Hülsen und Revolteparolen, doch Diehl ist auch scheinbar nicht bereit, ihr Zwischentöne zu entlocken. Seine mangelnde Wandlungsfähigkeit und die ewig statische, gelangweilte Aggressivität seiner Darstellung stören den weitestgehend sehr gut gespielten "Die Fälscher" erheblich. Leider geriet eine Episode des Films sogar sehr ärgerlich. Sorowitschs Einladung in das Haus des SS-Leiters der Operation, Friedrich Herzog (Devid Stresow), führt zur Bekanntschaft mit dessen Frau und Kindern. Diese Szene sticht in ihrer fatal grotesken Unannehmlichkeit aus dem Gesamtkontext stark heraus, wenn die deutsche Ehefrau als unwissendes, naiv-dümmliches Blondchen porträtiert wird.

Es bleibt somit ein Film, der an den bekannten Eigenheiten deutscher Kinogeschichtsstunden leidet. Dennoch setzt sich "Die Fälscher" mit seiner grundsätzlichen Vorgehensweise von den moralinen Mitstreitern ab. Das gelingt noch bei weitem nicht vollständig, doch es ist ein erster Versuch. Und nebenbei eine Geschichte, die auch tatsächlich einmal dringend erzählt werden musste.

Retro: CABARET (1972)

"Cabaret" ist einer dieser Filme, die man eigentlich gar nicht wirklich begreift. Liegt es an seiner zeitlosen, ganz eigenen und wunderbaren Schönheit und Ausstrahlung? An der herzlichen Geborgenheit, der lebensbejahenden Botschaft und Leichtigkeit, die er vermittelt? Oder handelt es sich ganz einfach nur um ein Film-Musical, das von scheinbar grenzenlosem Positivismus geprägt ist? Basierend auf dem Broadway-Erfolg adaptiert Bob Fosse die leicht veränderte Geschichte des Oxfordstudenten Brian Roberts (Michael York), der Anfang der 30er Jahre vor dem Hintergrund der drohenden Machtergreifung durch die Nationalsozialisten nach Berlin reist.

Willkommen!

Dort trifft er in einer kleinen Pension die schrille US- amerikanische Sängerin und Tänzerin Sally Bowles (Liza Minnelli), die jede Nacht auf der Bühne des legendären "Kit-Kat"-Clubs steht und mit ihrer schillernden Performance schnell das Herz des jungen Englischlehrers gewinnt. Doch die quirlige Sally hat noch weitere Verehrer, darunter den jüdischen Baron Maximilian von Heune (Helmut Griem), der allerdings ebenso auch an dem schüchternen Brian interessiert ist. Die anfangs vergnügliche Ménage à trois ist nicht von Dauer – und die immer stärkeren politischen Veränderungen fordern radikale Entscheidungen.

Mein Herr / Two Ladies

Was man heutzutage ganz schlicht mit ‚queer’ abkürzt, nämlich all das, was sich von normativen Konventionen ablöst, rückt bei "Cabaret" in den Mittelpunkt. Doch wo der sexuell Abtrünnige selbst noch im Kino der anfänglichen 70er-Jahre entweder einem der Lächerlichkeit preisgegebenen oder aber isolierten und zum Scheitern verurteilten Typus entsprach, da erhebt Fosses mit 8 Oscars prämierter Film das Anderssein zu einer genussvollen Lebensart. Der Autor Armistead Maupin bringt das in der Dokumentation "The Celluloid Closet" ganz lakonisch auf den Punkt: "Es war der erste Film, der Homosexualität geradezu feierte".

Maybe This Time / Sitting Pretty

Und das bedeutet ganz schlicht, dass die Helden sich keinen Regeln verschreiben und dafür einmal nicht abgestraft werden – anders zu sein erscheint nun auch im Kino nicht mehr als Benachteiligung. Im Gegenteil: ‚Life is a Cabaret’ lautet das Motto! "You have to understand the way I am, mein Herr!", so einfach flüstert es die hinreizende und leicht androgyne Minelli mit verführerischer Stimme in die Kamera. Spätestens dann, wenn die Tochter der Hollywoodlegenden Judy Garland und Vincente Minnelli das erste Mal die Bühne des kleinen Cabarets betritt und die Musicalnummern mit schier unglaublichen Choreographien zu leben beginnen, wird sich niemand mehr dem Bann dieses Films entziehen können.

Tiller Girls / Money, Money

Die Musicalsequenzen in "Cabaret" bleiben durchgängig in ihrem Bühnenshow-Kontext und werden durch eine reine Spielfilmhandlung vernetzt. Es wird ausschließlich nur dort gesungen und getanzt, wo auch die Musik spielt. Das macht Fosse ungemein geschickt, erhält das Musical dadurch doch einen ungewöhnlich filmischen Charakter und wirkt beinahe wie ein Konsens: Genrefans werden ebenso befriedigt wie ein Publikum, das sich mit Film-Musicals tendenziell eher schwer tut. Doch insbesondere durch ihre Zäsurwirkung sind die Songs nicht einem etwaigen Selbstzweck verpflichtet. Denn Komponist John Kander und Liedtexter Fred Ebb verleihen ihnen eine kommentierende Funktion – sie treiben die Geschichte voran.

Heiraten / If You Could See Her

Mehr noch: Sie reflektieren eine tiefere Ebene, die sich unter der pompösen Lebenslust verbirgt und die Ängste der Figuren ebenso wie die gesellschaftlich-politisch Schattenseiten widerspiegelt ("So once I was rich / And now all my fortune is gone / If I've lived through all that / Fifty marks doesn't mean a lot."). Die herausragend in Szene gesetzten Musicaleinlagen sind somit Ausdruck einer wilden, kostümierten Feier, die sinnbildlich für das unbeschwerte und bunte Lebensgefühl der Protagonisten steht, aber aufgrund der doppelbödigen Texte auch eines Zustands voller Zukunftszweifel und einem deutlichen Bewusstsein für die gegenwärtigen Veränderungen des Landes.

Tomorrow Belongs To Me / Cabaret

"Cabaret" ist deshalb nicht nur ein Film über das Ende der goldenen 20er, wo das feierliche Nachtleben noch einmal seine letzten glanzvollen Züge genießt, sondern auch über den Aufstieg des Faschismus in Deutschland. In nur wenigen Momenten und kleinen Szenen wird der Schrecken der Nazis verfremdet angedeutet, aber sein Schleier belegt den gesamten Film. Insbesondere die symbolträchtige Gesangs- einlage auf einem bayerischen Fest verdeutlicht das in einer überzogenen, aber dennoch beeindruckenden Weise. Und wieder sind es die Songs, die die Handlung bestimmen und auf eine Metaebene bringen: Hinter all der schrillen Travestie steckt auch ein sehr bitterer Kern.

Am Ende steht der Anfang, wenn Zeremonienmeister Joel Grey das Publikum zum Finale verabschiedet: Durch Glas, sodass es sich verzerrt selbst spiegelt. Das durchblitzende Hakenkreuz auf dem Arm eines klatschenden Mannes bestimmt die letzte Einstellung. Ein befreiender Optimismus und ebenso auch unbehagliches Gefühl bleiben. Das schaffen wirklich nur die allerwenigsten Filme über das Dritte Reich. "Auf Wiedersehen. A Bientôt. Good Night!".

100%

DVD: HWAL (THE BOW)

Der alte Mann und das Meer: Nicht gegen einen großen Fisch, sondern ein 16jähriges Mädchen kämpft er. Vor 10 Jahren stieß sie zu ihm, seitdem bilden der Greis und die Lolita eine Zweckgemeinschaft auf dem Kutter. Doch die ersten Spuren der Reife sorgen für einen Disput. Die junge Frau droht sich vom Bann ihrer väterlichen und gleichzeitig auch sexuellen Obhut zu befreien – der gemeinsame Bogen dient bald nicht mehr nur lieblicher Musik, sondern verwandelt sich zum phallischen Symbol.

Kim Ki-Duk vereint in seiner zwölften Regiearbeit all jene Motive, die auch sein etwas schizophrenes Oeuvre begründen: Die unmittelbare Gewalt wird (wenn auch stark chiffriert) ebenso eingearbeitet wie die meditative Sinnlichkeit seiner letzten Werke. "Hwal - Der Bogen" ist aber weitaus mehr als ein simples Ki-Duk-Best Of. In großartigen Bildkompositionen erzählt er eine konventionelle Geschichte über das Erwachsenwerden, die mit ihren patriarchalischen Motiven radikal bricht. Zwar krankt der Film gelegentlich an seiner Übersymbolik, doch das Initiationsdrama irgendwo zwischen fernöstlichen Mythen und buddhistischer Kultur fesselt durch seine konzentrierte Inszenierung. Im wunderbar surrealen Finale wird dann nicht nur die Trennung von Vater und Stieftochter, sondern auch das Ende zweier Liebender besiegelt: Der Bogenpfeil, zuvor ein Zeichen zwanghafter Enthaltsamkeit, erscheint nun als Auslöser der sexuellen Befreiung.


60%

TV: Fernsehtipps 10.03. - 16.03.07

Samstag, 10.03.

18:25 Uhr – „Das darf man nur als Erwachsener“ (Das 4.)

Witzig und tiefgründig: Molly Ringwald brilliert abermals in einem großartigen John Hughes-Film.

20:15 Uhr – „American Werewolf in Paris“ (RTL2)

Stark gekürztes, aber auch ansonsten dümmlich-lahmes Sequel zum durch und durch britischen Original.

22:30 Uhr – „Nightwatch – Nachtwache“ (Das 4.)

Atmosphärisch dicht, irre spannend und unheimlich gruselig – doppelbödiger Meisterthriller.

1:15 Uhr – „Hellraiser 6: Hellseeker“ (Pro7)

Unglaublich schlechte Fortsetzung, die den bereits reichlich verquasten Vorgänger noch unterbietet. Pinhead übernimmt nunmehr endgültig eine gänzlich untergeordnete Rolle in einem hanebüchenen Drehbuch.

Sonntag, 11.03.

20:15 Uhr – „The Day After Tomorrow“ (RTL)

Emmerichs bis dato bester bzw. erster wirklich gelungener Film: Brillante Action mit Gewissen und einem tollen Jake Gyllenhaal.

20:15 Uhr – „Spider-Man 2“

Technisch ausgereiftes und überdurchschnittlich gut ge- schriebenes Sequel mit fantastischem Finale. Eines der wenigen Comicfilm-Highlights.

23:00 Uhr – „The Punisher“ (Pro7)

Zweite Adaption des Stoffes. Weitaus unterhaltsamer als ihr Ruf, wenn auch durch unfreiwillige Komik gekennzeichnet. In der hier gekürzten Fassung indes absolut unbrauchbar.

Montag, 12.03.

20:15 Uhr – „Pathfinder - Ofelas“ (Tele5)

Das Original. Natürlich besser als der Ralf Moeller-Käse, aber dennoch völlig überschätzt.

22:15 Uhr – „Denn zum Küssen sind sie da“ (ZDF)

Manchmal etwas geschmackloser Thriller nach Schema F, durchwachsen gespielt und insgesamt unbedeutend.

Dienstag, 13.03.

20:15 Uhr – „Money Train“ (K1)

Launige Buddy-Komödie ohne Umschweife. Läuft geschnitten.

Mittwoch, 14.03.

20:15 Uhr – „Splash – Jungfrau am Haken“ (S-RTL)

Einen einzigen guten Film hat auch Ron Howard hin- bekommen. Daryl Hannahs bezaubernde Paraderolle.

22:10 Uhr – „Nur 48 Stunden“ (K1)

Nervig, hölzern und schrecklich langweilig. Eddie Murphy als Brechmittel.

0:20 Uhr – „Der Feuerwehrball“ (ARD)

Tschechisches Frühwerk von Milos Forman. Kenne ich noch nicht.

Donnerstag, 15.03.

20:15 Uhr – „Anna und der König“ (VOX)

Erreicht Cromwells Original zu keiner Sekunde.

0:20 Uhr – „Schiffsmeldungen“ (ZDF)

Einfühlsames Drama von Lasse Hallström, Geheimtipp.

Freitag, 16.03.

20:15 Uhr – „Godzilla“ (Pro7)

Gründlich misslungener Versuch, einen US-Godzilla zu etablieren.

22:00 Uhr – „From Hell“ (RTL2)

Visuell atemberaubende Variation des Jack the Ripper- Stoffes, die sich stark, aber dennoch gelungen von der Vorlage löst.

22:30 Uhr – „Lohn der Angst“ (3SAT)

Hochspannender Thriller vom großartigen Clouzot.

0:30 Uhr – „Eat Drink Man Woman“ (ZDF)

Ang Lees meisterlicher Abschluss seiner “Father knows best”-Trilogie – ein Juwel.

Retro: WRITTEN ON THE WIND (1956)

Im Kino der 50er-Jahre hat niemand die Illusion des amerikanischen Traums so eindrucksvoll vorgeführt wie der deutsche Exilregisseur Douglas Sirk. Ganz und gar unaufgeregt, mit anständiger Zurückhaltung lässt er seine ikonisierten Figuren in ihr Verderben laufen. Sirks Filme sind Dokumente, Relikte einer Zeit, in der traditionelle Werte neu definiert werden: Die Geschlechterrollen sind nach lang- jähriger Kriegsphase wieder in ihr bekanntes Gefüge gebracht und Familienhierarchien klar festgelegt. Doch hinter den prächtigen Vorgärten mit ihren leuchtenden Blumen und hinter den pastellfarbenen, glatten Gardinen brodelt die Katastrophe. Die mondäne Bourgeoisie in "Written on the Wind", der Adaption des Robert Wilder-Romans, ist von einem selbst zerstörerischen Virus befallen, der sie unaufhaltsam zugrunde richtet.

Schon der Beginn dieses Films ist durch pompöse Dramatik gekennzeichnet: Symbolhaft tobt ein gewaltiger Sturm im abendsonnigen Texas, rötlich-braune Herbstblätter treiben in die große Vorhalle eines gigantischen Anwesens. Die schnelle Schnittfrequenz und schrägen Kameraeinstellungen schaffen Verwirrung – und plötzlich fällt ein Schuss. Dann folgt der Blick auf den Kalender, dessen Abrisszettel eine Zeitreise suggerieren. Der Zuschauer weiß nun, dass hier etwas Schreckliches seinen Lauf nimmt, nur noch nicht wie und warum es dazu kommen wird. Sirk aktiviert somit geschickt die Erwartungshaltung: Ganz egal wie beschwingt, komisch oder sanft die Erzählung auch fortsetzen mag – am Ende steht das große Drama, das für diese Figuren, so unklar sie bis dato noch erscheinen, kein Glück zulassen wird. Schicksalhaftigkeit als eines der wesentlichen Motive ist etabliert.

Dieser grundsätzliche Fatalismus durchzieht die gesamte Inszenierung von "Written on the Wind" und auch vieler anderer Melodramen Sirks. Zwar kann die durch die reißerische Exposition evozierte Spannung nicht auf- rechterhalten werden, doch ist die trotz oder gerade wegen der heiteren Farbenpracht von Ausstattung und Kostümen formulierte Grundstimmung fortlaufend düster und pessi- mistisch: Sirks Geschichte wohlhabender Ölbarone, deren Reichtum nicht vor innerer Einsamkeit, Selbsthass und Entfremdung schützt, ist bedrückend und schwer. Fast schon zu bedrückend und schwer. Denn die sichere Gewissheit, dass diesem Familien- und Ehedrama kein glückseliges Ende bestimmt ist, schafft ironischerweise eine permanente Unsicherheit: Der Film kreiert eine Atmosphäre unangenehmer Ausweglosigkeit, die in den strahlenden, kontrastierenden Panavision-Bildern umso eindringlicher wirkt.

Ähnlich wie in seinem Meisterwerk "All That Heaven Allows" scheitern die Figuren in "Written on the Wind" an ihren eigenen Regeln. Den Ansprüchen und Moralvorstellungen, die man in dieser selbst konstruierten Gesellschaft an sie stellt – und die sie sich auch selbst stellen – können sie nicht gerecht werden: Der vorbildliche Millionärssohn verfällt der Alkoholsucht, seine in feinen Püppchenkleidern gefangene Schwester ist unglücklich verliebt. Gegen den Freund der Familie wird intrigiert, Lügen, Vorwürfe und Neid bestimmen die Beziehungen zueinander. Das Gefühlskarussell aus Liebe, Verzweiflung und Hass wird immer wieder in Drehung gebracht – die Grundsteine für das Wesen der Soap-Opera sind in Sirks Melodramen alle unverkennbar. Nur fehlt den besonders im US-Fernsehen populären späteren Variationen seiner Filme das subversive Element.

Denn dass die tragischen Helden in "Written on the Wind" nicht zuletzt deshalb so verzweifelt sind, weil sie gegen normative Zustände rebellieren und nicht in die Wesens- und Verhaltensmuster passen, in die sie hineinwachsen, ist eine wichtige Erkenntnis. Man muss das theatralische Spiel und die erdrückende Bonbonpracht des Films in einen zeitlichen Kontext setzen: Der Mann kann seinen Führungsverlust ebenso wenig aufhalten wie die allmähliche Emanzipation der Frau. Wenn in "All That Heaven Allows" gegen die eigene (Homo)Sexualität nicht mehr angekämpft oder die Liebe einer weißen Frau zu einem farbigen Mann nicht unterdrückt werden kann, ist der Bruch mit Konventionen unaufhaltbar. Doch zu jener Zeit, als Etikette alles und Individualität nichts bedeuten durften, sind diese Figuren hilflos gefangen. Die klirrende Gefühlskälte im warmen häuslichen Ambiente, die sterile und klinische Leere darin, die Entfremdung und Unnahbarkeit ziehen eine lange Spur in Sirks Filmen. Bis heute.

70%

News: Upcoming Reviews

Demnächst Filmbesprechungen zu: "Goodbye Bafana" (Bille August), "300" (Zack Snyder) und "Die Fälscher" (Stefan Ruzowitzky).

TV: Fernsehtipps 03.03. - 09.03.07

Samstag, 03.03.

20:15 Uhr – „The Others“ (SAT.1)

Atmosphärischer, schaurig-schöner Gruselfilm, der aber immer wieder an dem Vergleich mit „The 6th Sense“ scheitern muss.

23:35 Uhr – „Predator 2“ (Pro7)

Gekürzte, spannende Fortsetzung zum Actionhit. Die Verlagerung vom naturgemäßen zum „wahren“ Dschungel der Großstadt macht den Reiz des Films aus.

0:15 Uhr – „Die letzten Amerikaner“ (RTL2)

Neben Boormans „Deliverance“ einer der intensivsten Backwood-Thriller mit leicht rassistischem Einschlag.

1:05 Uhr – „Road to Perdition“ (RTL)

Gediegene Gangster-Ballade, herausragend photographiert.

3:00 Uhr – „Hannibal“ (RTL)

Stilistisch interessantes Sequel zum psychologischen Horrorthriller, das jedoch an dem Starkult um seinen Killer krankt. Julianne Moore erweist sich als Fehlbesetzung in einem blutig und edel inszenierten Film, der zu geschwätzig daherkommt.

Sonntag, 04.03.

7:30 Uhr – „Almost Famous“ (Pro7)

Wunderbare Liebeserklärung an den Rock’n’roll und gleichzeitig romantisches Essay über die Höhen und Tiefen des Musikgeschäfts.

20:15 Uhr – „Findet Nemo“ (Pro7)

Pixars Meisterwerk: Der Zenit aller Animationsfilme.

0:35 Uhr – „O“ (Pro7)

Was Baz Lurhman mit „Romeo und Julia“ noch gelingt, vergeigt dieser schreckliche Versuch einer Mischung aus „Othello“ und MTV-Ästhetik gehörig.

2:05 Uhr Uhr – „Große Vögel – Kleine Vögel“ (ARD)

Pasolinis scharfzüngige Satire über die Krise des Sozialismus. Geheimtipp!

Mittwoch, 07.03.

20:15 Uhr – „Big Trouble in Little China“ (K1)

Carpenters unterschätzte Genreparodie macht enorm großen Spaß. Leider gekürzt.

Donnerstag, 08.03.

20:15 Uhr – „Das Grauen kommt um 10“ (Das Vierte)

Besser bekannt als „When a Stranger Calls“ – einer der perfidesten Thriller der 70er. Die ersten 10 Minuten sind an Spannung nicht zu überbieten, während der Film dann allmählich in ein etwas fades Psychodrama abdriftet, zum Ende aber noch einmal die Kurve bekommt. Dürfte um diese Uhrzeit natürlich geschnitten sein.

23:25 Uhr – „Crash“ (Das Vierte)

Cronenbergs hochkomplexe Psychostudie über technische und menschliche Triebe, über Obsessionen, altes und neues Fleisch und Biomechanik. Ein Mysterium für starke Nerven, dessen Sogwirkung man sich kaum entziehen kann.

Freitag, 09.03.

20:15 Uhr – „Arac Attack“ (RTL2)

Gelungene Parodie auf die Invasionsfilme der 50er. Toll getrickst und augenzwinkernd.

Kino: FREEDOM WRITERS

Schon wenn der wenig dezente Hinweis, die folgende Geschichte basiere auf "wahren Begebenheiten", den Film einleitet, durchfröstelt ein natürlicher Schauer das Sitzfleisch. Hillary Swank aber steht ja irgendwie für Qualitätsware Marke Oscargewinnerin, deshalb kann der Film so schlimm eigentlich nicht werden – auch wenn er den bescheuerten Titel "Freedom Writers" trägt. Aber das erste Gefühl war wohl Intuition, und die Befürchtungen bewahrheiten sich schneller als einem lieb ist: Lehrerin kommt an Ghettoschule, kämpft sich aufs Niveau ihrer verzogenen Gören herunter und nimmt sie schließlich an die Hand, um die wahre Schönheit der doch gar nicht so aussichtlosen Welt zu entdecken. Der obligatorische Wettbewerb (=Finale) wird hier leicht variiert, obwohl die Kids dennoch jegliche genreübliche Lebensprüfungen bestehen müssen. Am Ende – sofern man dieses noch im geistesgegenwärtigen Zustand erleben sollte – verdrängen Läuterung und Einsicht die bittere Verbissenheit der Multikulti-Kids.

Wer "Dangerous Minds" verlogen fand, sollte diesen Post-Post-Vertreter der großen Highschool Drama-Welle erst recht tunlichst meiden. Letztes Jahr noch sorgte Antonio Banderas in der Biedermeierschnulze "Dance" für leere Kinosäle, obwohl seine Allerweltsparabel immerhin komödiantische Qualitäten aufwies – unfreiwillig zwar, aber was soll’s. Das ganz grundsätzliche Problem dieser Filme ist gar nicht mal die ätzende Klischeekiste, mit der sie auf soziale Gegenwartsprobleme humanistische Kinoantworten abfeuern. Viel mehr bleibt die Frage, warum die Produzenten solch klebrigen Mülls nicht endlich einmal verstehen, dass das Publikum ihnen das ohnehin nicht abkauft – und auch nie getan hat. Dass das Erbe von einstigen Grundsteinen wie "Die Feuerzangenbowle" nicht zu bewerkstelligen ist, muss doch irgendwann eingesehen werden: Der Blick in die abendlichen Nachrichten genügt, um sicherzugehen wie weltfremd diese Lehrer-Schüler-Geschichten erscheinen.

Filme wie "Freedom Writers" sind nicht naiv, sondern kalkuliert. Als wüsste Regisseur und Drehbuchautor Richard LaGravenese nicht ganz genau, dass keine Lehrerin dieser Welt sich in ein Klassenzimmer samt vorbestrafter Problemkids stellen und imitierte Tupac-Reime aufsagen würde, um die Meute von ihren aggressiven Gedanken zu befreien. Swank gibt sich die Mühe, die unglaubwürdige Figur mit Überzeugungskraft auszustatten, scheitert aber an den gängigen Klischees. Wenn sie mit Stift und Kreide eine Trennlinie durchs Klassenzimmer zieht, um die rivalisierenden Gruppen gegenüberzustellen, schlägt der Film sogar groteske Bahnen ein - fehlt nur noch das Motto: „Zeig Gesicht gegen Rassismus!“. Die Profile der Schülerfiguren könnten schematischer nicht sein, Probleme werden vereinfacht, um innerhalb des 90minütigen Zeitrahmens auch gelöst zu werden. Selbst Swanks Figur bewegt sich beständig an der Oberfläche, ihre privaten Einsichten bleiben schrecklich beliebig und nichts sagend.

Da diese Filme auch immer ein inhaltliches Ziel formulieren müssen, führt es die Kids auf dem Weg zur Selbsterkenntnis gar zum Holocaust. Das ist sogar noch schlimmer als es klingt: Nicht ein simples Konzert, eine doofe Bühnenaufführung oder irgendwie anders geartetes Event muss gemeistert werden, sondern die Kids entdecken den Schrecken der Geschichte. "Freedom Writers" lehnt sich dabei so weit aus dem Fenster, dass der Zuschauer den Fall angesichts seiner drohenden Bewusstlosigkeit nicht mehr miterleben dürfte. Tatsächlich geht es darum, dass die Schüler ihre eigenen Probleme mithilfe der historischen Bewältigung des Dritten Reichs kompensieren und schließlich lösen. Das meint der Film übrigens todernst: Von einem Tag auf den anderen verwandeln sich die kauzigen Gangster mit losem Mundwerk in aufgeschlossene Projektbegeisterte – inklusive feuchten Augen beim Museumsbesuch.

Wenn die Problemkids dann Knarre gegen Schreibblock eintauschen, mischt sich natürlich auch quietschende Orchestermusik unter das Geschehen – deren Einsatz kann man fast auf die Sekunde genau vorhersagen (ja, man entwickelt anderweitige Beschäftigungen während des ganzen). Komisch wird’s dann, wenn Holocaustüberlebende die Schule besuchen und die aufdringliche Musik sich nicht zu schade ist, jene klagenden Violinen aus "Schindler’s List" aufzugreifen. Unglaublich, aber wahr! Die Geschichte basiert schließlich auf Tatsachen, ganz ohne Modulation – so und nicht anders wird es sich wohl zugetragen haben. Da kann man nur Empfehlungen nach Berlin senden: Die Rütli-Schule sollte demnächst Sonderausflüge in Gruppen veranstalten, um sich "Freedom Writers" im Kino anzusehen! Ansonsten bleibt der ernst gemeinte Rat, dieses grauenhafte Gut- menschendrama zu ignorieren.

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